Barbara Kruger nació en Newark, Nueva Jersey, en 1945. Después de asistir a la Escuela de Artes Visuales de la Universidad de Syracuse y de estudiar arte y diseño con Diane Arbus en la Escuela de Diseño de Parson en Nueva York, obtuvo un trabajo de diseño en Condé Nast Publications .
Trabajando para la revista Mademoiselle, rápidamente fue ascendida a diseñadora principal. Posteriormente, trabajó como diseñadora gráfica, directora de arte y editora de imágenes en los departamentos de arte de House and Garden, Aperture y otras publicaciones. Esta experiencia en diseño es evidente en el trabajo por el que ahora es reconocida internacionalmente.
Encontró como en fotografías ya existentes, añadiendole un texto conciso y agresivo, involucrar al espectador en la lucha por el poder y el control al que hablan sus subtítulos. En sus letras negras de marca registrada sobre una barra de fondo rojo, algunos de sus lemas reconocibles al instante dicen "Compro, luego existo" y "Tu cuerpo es un campo de batalla".
Gran parte de su texto cuestiona al espectador sobre feminismo, clasicismo, consumismo y la autonomía y el deseo individual, aunque sus imágenes en blanco y negro se seleccionan de las principales revistas que venden las mismas ideas que ella está discutiendo.
Además de aparecer en museos y galerías de todo el mundo, el trabajo de Kruger ha aparecido en vallas publicitarias, carteles, parques públicos, en el andén de una estación de tren en Estrasburgo, Francia, y en otros lugares públicos. Ha impartido clases en el Instituto de Arte de California, Escuela del Instituto de Arte de Chicago y en la Universidad de California, Berkeley. Vive en Nueva York y Los Ángeles.
«Todo y todos estamos dentro del mercado. Fuera del mercado no hay nada». Somos inevitablemente parte del engranaje, por lo que su obra es puro mercado para luchar contra sí mismo… Contradicciones de la postmodernidad.
Debajo de cada imagen siempre hay otra imagen. A veces son tan
transparentes como haces de luz y tan endebles como las calcomanías que
se disuelven en agua. En el campo visual funcionan como el texto según
lo entendía Roland Barthes: un espacio multidimensional en el que una
diversidad de escritos, ninguno de ellos originales, se combinan y se
enfrentan. Esa idea de textualidad expandida encajó como anillo al dedo
en una Barbara Kruger
(Nueva Jersey, 1945) de 35 años que andaba persiguiendo un nuevo
sentido a la idea de representación de la imagen. Junto a ella estaban
Sherrie Levine y Louise Lawler, con las que apenas se llevaba dos años, y
Cindy Sherman, algo más joven, una cuadrilla de mujeres artistas
dispuestas, también, a desmitificar los entresijos del arte
contemporáneo.
En
la Metro Pictures de Nueva York encontraron en 1980, justo hace ahora
40 años, el lugar desde el que cuestionarlo todo, especialmente la
imagen fotográfica y cómo se movía entre las noticias, la publicidad y
la moda. Lo serial y lo simulado ganaba la partida ante la idea de que
había una verdad sólida y única. Sus fotos eran encontradas o
apropiadas, rara vez originales, y se colaban por las rendijas de la
cultura de masas complicando las reivindicaciones de autoría y
autenticidad tan importantes para la estética moderna, de Picasso a
Pollock, tirando por tierra el mito del maestro, siempre hombre, que se
había impuesto hasta entonces. Esa brecha feminista tan importante hoy.
No
es casualidad que se reivindique a estas artistas justo ahora, un
momento en que de nuevo vivimos una transformación cualitativa en los
medios de comunicación de masas que cambiará todo el contexto de la
producción, la distribución y la recepción de la información. Momento,
también, de colapso de una sociedad de consumo que parece haber
explotado y de un capitalismo que actualmente parece no ofrecer futuro.
Una época que se pregunta por sus límites como nunca y donde el arte
político pide paso: Barbara Kruger gritando hace unos días desde las
páginas de The New York Times que “un cadáver no es un
cliente”. Un puñetazo en la nariz ideológica de Trump. Ya en febrero
pasado, Kruger ocupó las calles de Los Ángeles en ocasión de la
celebración de la feria Frieze en la ciudad estadounidense con 20
preguntas en blanco y verde (el color del dinero, la envidia y los
malos) que ocupaban pancartas, carteles publicitarios y vinilos en el
suelo hablando de un mundo del arte sufriendo otro encierro: el de su
propia jerarquía. ¿Quién compra la estafa?, se leía a pocos metros de la feria. Un mensaje tan profético como aquel Es sólo cuestión de tiempo de Félix González-Torres colocado también en vallas publicitarias durante el último Arco.
La obra publicada por Barbara Kruger este mes en 'The New York Times', que reza "Un cadáver no es un cliente".
A sus 75 años, Barbara Kruger sigue sacando pulmón en busca de nuevas
coordenadas para la acción lejos del corsé que tiene el campo cultural,
aunque haciendo malabares con los dilemas de lo político, lo cotidiano y
lo económico. Es poco amiga del mercado del arte, aunque es fácil ver
lotes con sus obras circulando por casas de subastas. Hasta 902.500
dólares alcanzó una de sus fotografías en 2011, en un récord de
Christie’s. Siempre se ha sentido incómoda con el capital, aunque hace
unos meses ha firmado con la galería David Zwirner de Nueva York
relativizando un poco su inquietud con las maquinaciones del poder. De
hecho, suele decir que prefiere ir al infierno que a las cenas e
inauguraciones de sus exposiciones, pese a tener una en puertas, el
próximo noviembre en el Art Institute de Chicago si la pandemia lo
permite. Será su mayor retrospectiva de los últimos 20 años, un repaso
exhaustivo a cuatro décadas de crítica a los estereotipos, a las
desigualdades sociales y a las realidades políticas que otros muchos han
engullido, copiado y reformateado desde muy diferentes frentes, de la marca de ropa Supreme al videoclip de Hip de las Mamamoo.
De esas contradicciones vive el arte. Solo si los artistas activistas
son capaces de conservar una mirada crítica y sin componendas sobre sí
mismos y las intenciones de su trabajo, lo que no siempre es fácil,
podrán probar que el apoyo por parte del mundo del arte no es el beso de
la muerte para las prácticas de arte críticas. Dice Barbara Kruger que
hay estrategias de consumo que mutan en formas de resistencia, como el
rap contra la obediencia o la novela rosa como un espacio para la
fantasía. Que el arte es una vía de escape lo sabemos. También que es un
espacio de libertad, una forma de relacionarse, una manera de superar
el miedo. ¿Por qué, entonces, hay tan poca conciencia política? Lo
pensaba Kruger cuando se apuntó a las clases de Diane Arbus en la
escuela de diseño Parsons de Nueva York y lo sigue haciendo hoy,
disparando mensajes en busca de esa verdad enfática del gesto en las
grandes circunstancias de la vida, algo que no puede ser más pertinente
ahora mismo. La esfera pública como el gran tesoro del arte.
Tal vez ahí esté la clave. Llevamos años escuchando decir que el
papel del arte es recontextualizar su statu quo e igual ha llegado el
momento de pensar que igual el problema viene de cómo estamos
acostumbrados a ver y evaluar el arte. Tendemos a olvidar que el mundo
profesional no está exento de la alegría y el sentido de hacer y de
comunicar, sin ser autómatas del telecontrol. A veces es así de simple y
poderoso.
No hay comentarios:
Publicar un comentario