Gwen John

 

En 1942, en el apogeo de su fama, Augustus John predijo:  "dentro de cincuenta años seré conocido como el hermano de Gwen John". De hecho, Gwen John (1876 - 1939) ahora es reconocida como una gran innovadora artística aunque durante mucho tiempo permaneció olvidada.

Durante muchos años, la artista Gwen John fue eclipsada por su hermano Augustus, tanto por su personalidad abrumadora como por su obra grande, audaz y algo extravagante. Hoy en día, ese ya no es el caso, con la obra de Gwen como una parte firmemente establecida, no solo del arte británico, sino del francés, y particularmente del arte parisino. La apasionada historia de amor de Gwen John con el escultor Auguste Rodin,  ella la ha descrito como el momento más feliz de su vida.

Gwen estudió en la Slade School of Art de Londres en los últimos años del siglo XIX, luego hizo una vida bohemia en París (desde aproximadamente 1898 hasta 1910). Se sostenía haciendo de modelo para artistas  mientras creaba  pinturas  de gran brillo técnico, explorando las cualidades tonales del color de una manera casi científica. Obsesionada con Rodin y concentrada en su trabajo, exasperaba a su familia y amigos por su excéntrica forma de vida: gastaba dinero en pinturas y golosinas para su gato mientras vivía de nueces y frutas. En las calurosas noches de verano, a Gwen le gustaba colarse en los jardines de Luxemburgo y dormir entre los árboles con su amado gato, Tiger.

Era atrevida y muy original, vivía con determinación a su manera. Desafiante pero tímida, pintó y modeló en medio de los círculos bohemios del París de principios del siglo XX y se embarcó en una larga e intensa historia de amor con la figura artística más legendaria de Francia, el escultor Rodin. 

Tal vez fue la abrumadora personalidad de Rodin, y su arte audaz lo que atrajo a esta mujer, o tal vez fue su amabilidad cuando se conocieron. No cabe duda de que ambos se sintieron atraídos el uno por el otro en ese primer encuentro cuando  Gwen se ofreció  como modelo. Rodin estaba encantado con lo que vio.  Gwen era una candidata ideal y parecía más grande sin ropa, con buenas piernas y cuello. Era ágil y atlética, capaz de moverse rápidamente y mantener poses inusuales. Nunca antes había conocido a una modelo como Gwen: una modelo que también era artista, con un hermano que era artista. Rodin le pidió que se pusiera la ropa y se presentara a trabajar a la mañana siguiente. Rodin había recibido el encargo de la Sociedad Internacional de Londres de crear un monumento a Whistler, y Gwen iba a ser la musa que lo inspirara.

Gwen disfrutaba desnudándose para Rodin, disfrutaba estar desnuda frente a él, mirándolo mientras la modelaba en arcilla. Cada mañana, antes de que llegaran los asistentes, se besaban y hacían el amor, y la jornada de trabajo seguía a  continuación de sus abrazos. 

Todo era bastante divertido y muy bohemio,  pero  comenzaba a complicarse un poco, y aunque Gwen todavía amaba a Rodin  el no era el hombre de unas semanas antes, quejándose de dolores de cabeza, y sufriendo de agotamiento y falta de libido. 

Gwen  le escribía a Rodin apasionadas y explícitas cartas de amor, el no respondía, lo que, para ella, fue un alivio del alma, que sin duda la liberó como artista.  Aunque Gwen volvió a modelar para Rodin, su lugar lo había ocupado otra mujer mayor. La relación terminó lentamente, pero ella era ahora una mujer diferente, una artista.   

Rodin continuaría trabajando sólida y felizmente, amando a su esposa y a sus perros. Murió de neumonía en noviembre de 1917, a los 77 años. Dejó, entre una enorme cantidad de trabajo,  una delicada y hermosa cabeza de Gwen, una pequeña obra maestra.

En 1910, Gwen se mudó a una casa en ruinas en las afueras de París,  y vivió una vida cada vez más solitaria con sus pinturas y sus gatos, a los que alimentaba bien, pero ella comía muy poco, muriendo de hambre en Dieppe en septiembre de 1939, tenía 63 años.

Aleah Chapin

 

Aleah Chapin es una artista que desarrolla su obra retratando a las personas de su alrededor. En cada lienzo capta la esencia de la persona retratándola tal y como es en ese momento. Especialmente sus cuadros se centran en las figuras femeninas, las mujeres de su entorno y las vivencias que ellas llevan intrínsecas en su piel.

En una sociedad donde se «retoca» hasta la piel de una adolescente para eliminar «imperfeciones», Aleah Chapin rompe con lo establecido y con la estética de muñeca de porcelana para volver al realismo más estricto. Ella retrata la fugaz belleza de cada una de las mujeres que pinta.

Mujeres vestidas únicamente con la confianza de sentirse a gusto consigo mismas, sin nada de ropa. Sólo con sus arrugas, manchas de la piel, pecas, bello, cabellos canos y algún que otro tatuaje.

«Intento crear una obra que, aunque desnuda, pasar por alto una representación basada en la superficie y llegar a algo más allá del sexo y la belleza», dijo Chapin. «Necesitamos pensar en lo que es realmente importante para nosotros, cuáles son nuestros valores honestos como cultura. Es una conversación que realmente necesitamos empezar a tener», cuestionando el canon tradicional de la belleza asociada con una normalidad muy destructiva, para la juventud.

Nacida en 1986, Aleah Chapin se crió en una isla al norte de Seattle, Washington. Se licenció en Bellas Artes en el  Cornish College of  Arts en 2009 y obtuvo el Master en Bellas Artes en la Academia de Arte de Nueva York en 2012. 

También obtuvo una beca  en el Programa Internacional de Arte de Leipzig en Alemania y en MacDowell Colony en New Hampshire. Las exposiciones recientes han incluido una invitación  para exponer en la Academia Estadounidense de Artes y Letras, Nueva York; en la colección Ingram: Bodies, Woking, Reino Unido y una exposición individual, Within Wilds en Flowers Gallery, Londres. 

 Ha recibido el premio Willard L. Metcalf en arte de la Academia Estadounidense de Artes y Letras, la Beca de la Fundación Posey, la Beca de la Fundación Elizabeth Greenshields, una beca de posgrado de la Academia de Arte de Nueva York y ganó el Retrato de BP. Premio en la National Portrait Gallery de Londres en 2012.

Aleah ahora vive y pinta en el noroeste del Pacífico, donde la gente y el lugar de su hogar son la base de su trabajo.

 Referencias

 https://totenart.com/noticias/aleah-chapin-la-belleza-eterna/ y su página personal

Agnes Richter

 

Agnes Emma Richter, una costurera alemana,   tenía 51 años cuando fue ingresada, en 1895, en la Institución Psiquiátrica Hubertusberg  cerca de Dresde,  Alemania . Richter fue trasladada inicialmente a una institución mental cerca de su casa después de que sus vecinos presentaran varias quejas sobre su "comportamiento errático".

Agnes  estaba convencida de que sus vecinos estaban planeando robar su dinero y finalmente lastimarla o matarla. Se obsesionó con este peligro  y se le diagnosticó una paranoia extrema .

Al ser ingresada en el psiquiatrico, Richter tenía que vestirse con el  uniforme institucional y someterse a los procesos y rituales de la vida de la institución. En un esfuerzo por mantener algo de su identidad y denunciar el confinamiento y la violencia aprovechó su camisa de fuerza para redactar diferentes peticiones.

Usó su uniforme y su camisa de fuerza como un " diario ", cosiendo palabras directamente en la tela.

La vida en los manicomios  a finales del siglo XIX estaba altamente reglamentada. Mientras que los pacientes varones trabajaban la tierra o en talleres para fabricar zapatos o muebles, se esperaba que las mujeres limpiaran, cosieran, tejieran y lavaran uniformes y textiles institucionales.

Si bien gran parte del texto cosido en su ropa se ha deteriorado con el tiempo, algunas de las líneas aún legibles dicen cosas como " No soy grande " y " Estoy en Hubertusberg ". Richter también agregó su número de paciente  a la chaqueta en varios lugares, tal vez como un esfuerzo por preservar su identidad allí.

También cosió fragmentos de texto sobre sus deseos y necesidades, que incluían " sin cerezas " y " Deseo leer ", así como comentarios como " Me sumerjo de lleno en el desastre ". Es evidente que Richter usaba la chaqueta a diario por el sudor y las marcas de suciedad que aún permanecen en ella.

Lamentablemente, Richter pasó el resto de su vida en el manicomio. Murió en Hubertusberg en julio de 1918. Su chaqueta, " un arma de resistencia a las limitaciones de la feminidad ", fue redescubierta en 1980 y sigue viva en la Colección Prinzhorn en Heidelberg. Más de un siglo después, el mundo sigue fascinado por los recuerdos de la lucha creativa de una mujer por preservar su propia identidad en un entorno destinado a despojarla de ella .

Thea Proctor

 

Nacida en Armidale, Australia, en 1879. Sus padres se divorciaron cuando ella era una niña, por lo que tuvo una infancia dificil. Comenzó sus estudios de arte con Julian Ashton en Sydney cuando tenía dieciséis años. En la escuela de Ashton, sus compañeros de estudios incluían a George Lambert, con quien estaría estrechamente asociada en público y privado durante los siguientes treinta años.

En 1903, deseando aprender a dibujar, viajó a Londres, donde se estableció con Lambert y su familia. Se convirtió en una de sus modelos favoritas, una habitual en su hogar y su alumna.  Se matriculó en la St John’s Wood School of Art de Londres en 1903. Trabajó en Londres desde 1903 hasta 1921, asociándose con sus compañeros expatriados australianos Charles Conder , Arthur Streeton y Tom Roberts.

En el centro de la ciudad y los suburbios del este se convirtió en una figura familiar, inmaculadamente vestida caminaba majestuosamente, sombrilla en mano enguantada, buscando lo bello.

Produjo dibujos a lápiz, acuarelas decorativas, abanicos y pirograbados japoneses. Proctor también se inspiró en una actuación de los Ballets Russes que vio en 1911. La encontró «hermosa e inspirada» y su trabajo decorativo se inspiró en los bailes de Chelsea Arts Club y su elaborado vestuario realizado con hermosas telas.

Expuso en la Royal Academy of Arts y en el New English Art Club , que luego produjo litografías que se exhibieron en el Senefelder Club y en la London Goupil Gallery para la Sociedad Internacional de Escultores y Pintores.

A su regreso a Australia en 1921, que coincidió con la de Lambert, inmediatamente pasó a ocupar un papel importante en el volátil mundo del arte de Sydney y a difundir sus ideas sobre arte moderno, decoración de interiores, moda, vestuario, ballet y cuestiones de gusto. en artículos, conferencias, clases formales, clubes de dibujo y en todos los eventos sociales y artísticos imaginables. Sorprendentemente hermosa, nunca se casó. Vivía en un pequeño apartamento alquilado en Double Bay, pero hasta principios de la década de 1960 también pudo mantener un estudio en George Street, donde había vivido antes de la Segunda Guerra Mundial.

En 1922 estableció su estudio, donde impartió clases. Se la consideró como una de las primeras «modernas» en exponer en Australia, asistiendo regularmente a inauguraciones de arte, siempre impecablemente vestida en colores lavanda o violeta.

 Al final de su vida promovió el trabajo abandonado de su primo John Russell. Hasta el final de su vida siguió trabajando, concretamente exponiendo en las Macquarie Galleries de Sidney.

Agnes Denes

 

Nació en Budapest (Hungría) en 1931, su familia sobrevivió a la ocupación nazi y se mudó a Suecia a mediados de la década de 1940 y en su adolescencia se trasladaron a Estados Unidos, donde se instalaron definitivamente. Según la propia Agnes ha comentado, el repetido cambio de idioma la convirtió en “una silenciada», lo que la impulsó a que se concentrara en el lenguaje universal que son las artes visuales.

Estudió pintura en New School y en la Columbia University de Nueva York. Pronto abandonó la pintura, debido a las limitaciones que el lienzo imponía y se centró en las ideas que podía explorar en otros medios y otras disciplinas artísticas.

A principios de la década de 1970, dejó su galería en la parte alta de la ciudad para unirse a la Galería AIR como miembro fundador. Desde entonces, ha participado en más de 450 exposiciones en galerías y museos de todo el mundo y ha escrito 6 libros.

Agnes Denes es una de las figuras principales del movimiento conceptual que surgió en Estados Unidos en los años 60 y 70 y es conocida internacionalmente por ser pionera en varias corrientes artísticas. Con sus proyectos ha investigado sobre ciencia, filosofía, lingüística, psicología, poesía, historia y música.

 En la década de los setenta la naturaleza dejó de ser un mero contenido para convertirse en un campo de acción y este terreno Agnes también fue pionera. Creó la pieza “Rice / Tree / Burial” en 1968 en el condado de Sullivan, Nueva York, considerada como probablemente la primera pieza a gran escala site-specific con preocupaciones ecológicas.

En la década de 1970 se sumó también al Land Art con su obra más conocida “Campo de trigo: una confrontación”. Entre la primavera y el verano de 1982 y con el apoyo del Fondo de Arte Público, plantó un campo de trigo dorado de dos acres, en los vertederos de escombros que se encontraban cerca de Wall Street y del World Trade Center, en el bajo Manhattan. La obra fue posible con ayuda de doscientos camiones de tierra, se eliminó el grano de trigo y la maleza, se fertilizó y se roció contra el hongo moho, después se cavaron a mano 285 surcos. Las semillas fueron sembradas también a mano y se estableció un sistema de riego. Se cosechó el 16 de agosto y produjo más de 1000 libras de trigo dorado totalmente ecológico y el resultado en imágenes fue de una belleza espectacular.

Otro de sus exitos artísticos más reconocidos es la pieza de 1996 “Tree Mountain: una capsula del tiempo” un monumental movimiento de tierras que ha dado lugar a un bosque matemático y un espacio de recuperación de la naturaleza. La obra es el primer bosque virgen hecho por humanos y está situado en Ylöjärvi, la parte oeste de Finlandia. En la actualidad es un espacio legalmente protegido y lo será para los próximos cuatrocientos años.

 Dos años más tarde, plantó en Melburne 6000 árboles de una especie en peligro de extinción con alturas variables formando cinco espirales, creando una pirámide escalonada para que, cuando los árboles crezcan, ayuden a aliviar la grave erosión de la tierra y la desertificación que amenaza a Australia.

Por otra parte, Agnes Denes también es conocida por el uso innovador de tintas metálicas y otros materiales no tradicionales para crear un prodigioso cuerpo de dibujos y estampados exquisitamente representados que delinean sus exploraciones en matemáticas, filosofía, geografía, ciencia y otras disciplinas.

 

Toda la práctica artística de Agnes Denes se distingue por su estética y su compromiso con las ideas sociopolíticas. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno; el Museo Metropolitano de Arte; el Museo Whitney de Arte Americano; el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas; el Instituto de Arte de Chicago; Museo de Arte Moderno de San Francisco; la Moderna Museet, Estocolmo; el Centro Pompidou de París y el Museo de Israel entre otros muchos.

 Denes es una habitual en conferencias extensamente en colegios y universidades de todo el Estados Unidos y en el extranjero y participa en conferencias globales. Es autora de seis libros y aparece en numerosas publicaciones sobre una amplia gama de temas relacionados con el arte y el medio ambiente.

 http://www.agnesdenesstudio.com/

Adelina Labrador

 

Adelina Labrador González nació en Madrid en 1910 en el seno de una familia de militares farmacéuticos y políticos, concretamente Celedonio Sastre, fue alcalde de Ávila y creó una comisión que llevó al Vaticano la petición de nombrar a Teresa de Ávila Doctora de la Iglesia.

Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y amplió sus estudios en el Instituto Superior de Bellas Artes de París, donde fue la primera mujer que obtuvo la categoría de «Muy Excelente».

Pasó la Guerra Civil en Barcelona, junto a su madre, en donde realizó distintas colaboraciones meteorológicas, dibujando mapas del tiempo junto al también abulense, Arturo Duperier. Tras la contienda, y ya en Madrid, ingresó en la Asociación de Pintores y Escultores, donde fue reconocida como Socia de Mérito.

Obtuvo la Segunda Medalla del Salón de Otoño de 1948 y concurrió a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1950 con la obra titulada “Tierras doradas”.

En la Hoja Oficial del lunes del 19 de febrero de 1951, encontramos una reseña firmada por Sánchez-Camargo, en la que se lee: a modo de crítica:

Adelina Labrador….esta pintora traduce en muchos de sus lienzos lo que le impone el sexo: sensibilidad”

En 1960 publicó el libro titulado “Ávila: fuente de inspiración para todos los artistas”, publicado por la Fundación Gran Duque de Ávila y en la que realizó las pinturas murales al fresco de la cúpula de la Iglesia de San Antonio de Ávila, así como los sótanos del Torreón del Palacio del Marqués de Velada.

 Realizó además distintas labores de conservación y restauración en el Monasterio de El Escorial y en la Catedral de Santiago de Compostela, además de la Catedral de Ávila, la Basílica de San Vicente y otras muchas iglesias de aquella ciudad.

 Como conservadora, cabe destacar especialmente su trabajo en el Museo del Marqués de Cerralbo, el Museo Sorolla y en El Prado de Madrid, donde intervino distintas obras religiosas.

En los años sesenta, estudió enfermería en la capital y se vinculó al Instituto Católico de París en Madrid, donde impartió clases de francés, así como en el Colegio San José de Cluny de Pozuelo de Alarcón, en Madrid que compaginó con las de dibujo.

 Una de sus últimas muestras fue la que tuvo lugar en la Sala de Exposiciones del Torreón de Lozoya, junto a Rosario de Novales Mantilla de los Ríos, en agosto de 1980.

Desarrolló su obra pictórica por numerosos países europeos, como Austria, Italia, Francia, Bélgica, Escocia y Holanda y sus obras están expuestas en edificios y entidades oficiales, así como en colecciones privadas de Estados Unidos, y Alemania.

 Abulense de corazón, mantuvo una estrecha vinculación con Ávila y con Zorita de los Molinos. Tras su jubilación estableció su residencia en Ávila, ciudad en la que falleció en 1999.

http://www.apintoresyescultores.es/adelina-labrador-gonzalez/