Lois Mailou Jones

 Loïs Mailou Jones nació en Boston, Massachusetts (Estados Unidos) en 1905. Fue criada en Boston por padres de clase trabajadora que enfatizaron en la importancia de la educación y el trabajo duro. Después de graduarse de la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, Jones comenzó a diseñar textiles para varias firmas de Nueva York. En 1928 se fue para ocupar un puesto de maestra en el Palmer Memorial Institute en Carolina del Norte.

En Palmer fundó el departamento de arte, fue entrenadora de baloncesto, enseñó baile folclórico y tocó el piano para los servicios dominicales. Dos años más tarde, fue contratada por la Universidad de Howard en Washington, DC, para unirse a su departamento de arte

Comenzó  a ganar reconocimiento como artista. Después de un año sabático en París, donde estudió en la Academia Julian,  Jones introdujo en sus lienzos el arte tribal africano, un motivo enormemente popular en las galerías parisinas. París la impactó profundamente, la regocijó un país donde su raza parecía irrelevante.

Su matrimonio en  1953 con el diseñador gráfico haitiano Louis Vergnianud Pierre-Noël la influyó aún  más al ver los colores brillantes y los patrones llamativos del arte haitiano en los viajes anuales a la casa de su esposo

En 1970, la Agencia de Información de Estados Unidos encargó a Jones que sirviera como embajadora cultural en África. Dio conferencias, entrevistó a artistas locales y visitó museos en 11 países. Esta experiencia la llevó a explorar más a fondo los temas africanos en su trabajo, especialmente sus pinturas de 1971-1989.

Finalmente, Louis Maliou Jones murió con noventa y tres años, aunque ni ella ni sus cuadros perdieron la energía y el color que siempre tuvieron. Su obra es reconocida tanto en Estados Unidos como en Europa, llegando así a completar su objetivo, lograr que el arte afroamericano sea valorado como el arte que es y a olvidar las falsas diferencias entre hombres y mujeres en el ámbito artístico. Además, refiriéndonos más al plano personal, logró ser lo que ella siempre quiso ser, sin necesidad de añadírsele ninguna etiqueta como “negra” o “mujer”; logró ser una gran artista

Fue una gran adelantada a su época teniendo que sortear el racismo secular de la sociedad norteamericana y el hecho de ser mujer. A lo largo de su vida y de su trabajo como docente ayudará a diversos artistas afroamericanos dando valor a su arte y potenciándolo .

Loïs Mailou Jones,  a pesar de los condicionantes de la época en que nació realizó una obra asombrosa plena de colorido y belleza que hoy descansa en diversos museos como  el Smithsoniano de Arte Americano, el Museo de Arte Milwaukee y otros de importancia.

Lois Mailou Jones está caracterizada por pertenecer al movimiento Harlem Renaissance o Renacimiento de Harlem, movimiento caracterizado por la influencia de la progresiva emancipación de la población africana en Estados Unidos (el paso de la esclavitud a la libertad) y del surgimiento del blues y sobre todo del jazz.

Marjorie Braidwood Wallace

 Marjorie Braidwood Wallace - Edimburgo, Escocia- 1925-2005

Conocida por sus conexiones con el movimiento literario Sestigers. Wallace se formó en el Edinburgh College of art, muy impresionados por sus primeros trabajos se convirtió en la persona más joven en ser elegida miembro de la Royal Scottish Academy. Se le concedió una beca para viajar a Europa e Italia cuando se graduó en 1947.

Al final de sus viajes, se instaló en Montparnasse, donde conoció al autor sudafricano Ian Rabi y a sus compañeros afrikaners, que finalmente se conocieron como los Sestigers. que incluían a Andre brink, Breyten Breytenbach, Etienne Leroux, Ingrid Jonker, Adam small, bartho smit, Chris Barnard, Hennie Aucamp, Dolf van Niekerk, Abraham H. De Vries y Elsa Joubert.

Su técnica de pintura incluía áreas pintadas uniformemente de óleo, utilizando una paleta clara y, a menudo, brillante. Se adaptaba bien al estilo y la atmósfera del Cabo Occidental.

Francesc Català-Roca

 

Valls (Tarragona), 1922 – Barcelona, 1998.

Hijo de Pere Català i Pic, uno de los introductores de la fotografía de vanguardia en Cataluña, Francesc Català Roca es considerado el maestro de la fotografía documental en nuestro país. Formado en el contexto familiar, abrió su propio estudio en 1947 y comenzó a hacer fotografía de calle para encargos editoriales. 

Desde ese momento, trabajó ininterrumpidamente fotografiando para publicaciones como Destino, Gaceta Ilustrada o La Vanguardia; realizando trabajos de estudio; ilustrando libros en colaboración con conocidos arquitectos, escultores y pintores, como Josep M. Sert, Eduardo Chillida o Joan Miró, y sobre la historia del arte catalán; y con reportajes sobre la España real.

En el marco del neorrealismo fotográfico, Català Roca practicó una fotografía arriesgada que buscaba un punto de vista insólito y alejado de convenciones, jugaba con la fuerza plástica de sombras y contrastes, y se centraba siempre en el elemento humano. Su capacidad técnica se combinaba con una gran habilidad para entrar en contacto con las personas que retrataba. 

Con el paso de los años, su fotografía se ha convertido en un testigo privilegiado de una época en la que el país vivía con un pie en el pasado más duro del franquismo y otro en lo que se conoce como desarrollismo.

Desde su primera exposición individual en 1953 en la Sala Caralt de Barcelona, Català Roca llevó a cabo una intensa actividad expositiva que combinaba con la ilustración de libros. Publicó numerosos títulos. Entre las retrospectivas dedicadas al fotógrafo, destacan la de la Fundació Joan Miró (2000), La Pedrera de Barcelona (2012) y el Círculo de Bellas Artes de Madrid (2013).

MACBA

Elena Brockmann

 1887- 1896

Estudió con su tío Juan Llanos Y Keats (la abuela de Brockmann era Fanny Keats, hermana del reconocido poeta John Keats), así como con José Benlliure y Joaquín Sorolla, especialistas en pintura de género. Durante el siglo XIX, Brockmann tuvo un gran éxito en las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes, ganando honores y premios en 1887 y 1892.

Debido a que las mujeres fueron generalmente excluidas de las clases de dibujo natural, pocas artistas intentaron pintar la historia, un género que requiere el dominio de la figura humana e ilustra eventos históricos, mitológicos o religiosos. 

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Brockmann se destacó en la pintura de historia, destacándose por sus complejos temas y composiciones. Expuso en tres exposiciones nacionales en Madrid antes de desaparecer de la prominencia a finales del siglo XIX, cuando la pintura de historia decayó en popularidad.

MI REBAJA DE LA LUZ

 

Querida Cris, tengo que contarte que he pasado la vergüenza más grande de mi vida, por ahora, claro, que siempre puede ser peor.

¿Te acuerdas el disgusto que tuve cuando mi teléfono se me estropeó y me sacaste del apuro regalándome el de tu madre? Tu santísima se había pasado a uno de estos de "pasar el dedo" y yo desesperada porque quería seguir con uno de  "de tapa".  Para mi la tapa lo hace todo, si llaman la levanto y si cuelgo la cierro. No quiero saber siquiera como se guardan los números. Ayer mismo di prueba de ello cuando Inés hija me preguntó el teléfono de Teo y le dije "busca uno  que acaba en  65"- Si, es verdad, me vio con cara rara...

Vale, cuando una busca la felicidad a su modo, yo trato de identificarme con otros mundos lo más que puedo, pero amiga, he pasado  una prueba que me ha hecho llorar...

Me llamaron los de mi compañía de electricidad. Una señorita, Eveline, con acento latinoamericano me preguntó si pagaba mucho de luz. Muchiiiiiiiisimo me apresuré a responder. Siguió cuestionandome un rato y me pidió tranquilidad. Le vamos a rebajar un 25 por ciento. Yo, dando piruetas en el aire, pregunté ¿que tengo que hacer? Tranquila, respondió, te voy a hacer una serie de preguntas y me respondes. Ya habíamos pasado al tuteo Eveline y yo y me sentía feliz.

-Eveline me dio su telefono y mi código de la operación que estabamos haciendo,  y me dijo que iba a llamarme por el telefono fijo. ¿Me lo das? Claro, respondí sin pensar, es........... y colgué.

Menos mal que en un momento de lucidez me asaltaron las dudas y llamé a ese telefono... nadie respondió...

Llamé a la que ahora era casi me amiga: Eveline que el telefono que te he dado no es, a ver si es este...

Siiii, mi telefono fijo sonó.  Inés ¿Tienes el móvil a mano? Preguntó Eveline. Si, respondí. ¿Sabes responder mensajes? Dudé un segundo, pero ¿Como no iba a saber yo hacer eso? Si, claro, dije.

En aquel momento presentí que estaban acostumbradas a dar con imbéciles,    que yo no era una excepción.  Inés, te voy a mandar un mensaje y me tienes que responder "si" o bien "ok"

Yo no cuelgo, estoy esperando, dijo Eveline.

Ah, oigo la musiquilla, ha llegado, dije feliz

Ah, coño, joer! Pensé para misma ¿Como respondo?

Eveline, dije avergonzada, ¿como hago?

¿Ves un telefono  rojo y otro verde?

No, yo no tengo nada de eso

¿Que tienes?

Yo que sé

Dos rayas

Pues aprieta una

¿Que sale?

Cuando Eveline estaba punto de la desesperación dijo: Te  paso a Esther

Hola Inés dijo Esther, tranquila...

No puedo estar tranquila, siento vergüenza...

Cuando Esther llegó al punto de la desesperación me pasó a Enma. Inés, esta chica conoce todo tipo de telefonos, lo vas a conseguir, me tranquilizó

Esther me pidió que le describiera todo lo que tenía delante de mis ojos

-Una pantallita, unas rayitas y un cuadradito con marco plateado...

-Aprieta ese cuadradito

Siiiiiii, allí ponía responder

¿Que hago ahora?

-Tienes que darle al 6 tres veces, muy rápido y despues al 5 dos veces

Supongo que habrá personas que pensarán que estoy de broma, que esto no es posible, pero puedo jurarlo, no sé si lloraba yo más o la chica de la compañia eléctrica- NO CONSEGUÍ HACERLO. En mi teléfono aún aparecen unos cien mensajes nulos, dirigidos a mi compañia de ELECTRICIDAD Y GAS

La última comunicación fue a las nueve de la noche.

Mándame el mensaje de nuevo Eveline, mi hija pondrá el OK cuando llegue

Eveline me llamó hoy a las dos de la tarde

INES, LO HEMOS CONSEGUIDO!!!

MUSEO LISTE-VIGO

Olimpio Liste Naveira, a partir de 1965 comenzó a recoger objetos etnográficos por toda Galicia. En 1972 fundó el primer museo etnográfico de Galicia en Oseira.

El Museo Liste de Vigo nace a través de la Fundación Liste-Museo Etnográfico de Vigo, que recoge el legado de Olimpio Liste  en el campo de la etnografía, a través del que ofrecer una visión globalizadora del patrimonio etnográfico gallego.

Cuenta con nueve salas de exposición permanente, distribuidas en tres plantas, que abarcan los siguientes aspectos:

La cultura del centeno, que evoca en un recorrido cronológico la importancia de este cereal en el campo gallego. 

La rueda tradicional, visionada en su gran variedad tipolóxica, y en el carro como elemento fundamental en la vida de antaño. 

Simbología de los oficios, recoge más de cincuenta oficios, representados en un marcado carácter conceptual.

El cierre, donde el protagonista es la creación de lo íntimo, del reservado, a través de la labor de nuestros herreros.

Los tejidos, que aborda aspectos del tejido tradicional, especialmente lino y lana.

La madera excavada, muestra la sorprendente versatilidad de la madera, que a través del excavado consigue espacios a los que conferirles un sentido utilitario.

La luz, con una panorámica de los medios de iluminación a través del tiempo.

La materialidad de la fe, recoge la profundidad religiosa de nuestras gentes, expresada a través de las ofrendas.

El arte de curar, se presenta como homenaje a los nuestros "compostores" , hombres y mujeres dedicados al "oficio de curar".

El museo quiere ser un espacio sensible a la observación y al diálogo, que permita, a través del legado cultural que acoge, conocer el trayecto de nuestra identidad. Organiza exposiciones temporales y actividades didácticas y cuenta con una biblioteca de consulta especializada en antropología gallega. 

www.museoliste.org

Rúa Pastora, 22
36210 Vigo

Tlf. 986244698 Fax 986298229

fun.museoliste@terra.es

Dorothea Tanning

Dorothea Tanning (Illinois, 25 de agosto de 1910 - Nueva York, 31 de enero de 2012​) fue una pintora, ilustradora, escultora y escritora estadounidense. Diseñó también decorados y trajes para ballet y teatro.

Dorothea Tanning es considerada una de las mujeres artistas más importantes y polifacéticas del siglo XX, aunque ella misma rechazaba esa asociación: “Mujeres artistas: no existe tal cosa –o persona. Es una contradicción en sus términos, al igual que ‘hombre artista’ o ‘elefante artista’.

 Puedes ser una mujer y puedes ser una artista; pero lo primero te viene dado y lo otro lo eres tú”. Entre Estados Unidos y Francia, desarrolló una extensa producción, meticulosa y expresiva, de pinturas, dibujos, diseños de vestuario y decorados para ballets, esculturas “blandas”, novelas y poemas. Su obra cuenta historias inscritas en un universo personal, con el que da sentido a la vida moderna, y en un entorno surreal –lleno de fantasía y fantasmas– perfilado a través de un espacio que se presenta al mismo tiempo como seductor y pernicioso.

Tanning rompe la distancia entre la obra de arte y el espectador, sin pretender que sus creaciones sean un reflejo del mundo, sino una invitación para ir más allá. Los seres femeninos dominan este universo de puertas abiertas y revelaciones, provocando el caos en un espacio tradicional doméstico, que al mismo tiempo vibra y despierta una curiosidad extraña.

¿Nos atrevemos a entrar en su cuento de hadas, en una casa con puertas abiertas, una estancia habitada por extrañas criaturas, a adentrarnos en un paisaje quemado por el sol? En palabras de la propia artista: “Quería guiar el ojo hacia espacios que se ocultaran, revelaran, transformaran todos a la vez y donde hubiera imágenes nunca antes vistas, como si hubiesen aparecido sin mi ayuda”.

Museo Reina Sofía

Marcelina Poncela

 

Marcelina Poncela Ontoria nació en Valladolid en 1864, fue discípula en la Escuela de Bellas Artes de Valladolid, de José Martí y Monsó y compaginó sus estudios artísticos con los de Magisterio.

En 1882, al quedarse huérfana de padre, se trasladó a Madrid donde completó sus estudios de Magisterio y en 1884 formó parte del grupo de las primeras seis mujeres que fueron admitidas, con un permiso especial del rey, para matricularse en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado. El número de alumnas de esta escuela era muy reducido ya que, en el momento en el que Marcelina inició y terminó  sus estudios, tenían vedado el estudio de dibujo del natural, lo que les impidió poder realizar cuadros de historia y su representación de héroes y heroínas, que eran los que recibían el reconocimiento académico, una situación que era común en toda Europa.

Marcelina también fue la primera y única mujer que obtuvo la pensión de la Diputación Provincial de Valladolid en el siglo XIX para continuar sus estudios, por lo que remitió algunos trabajos a la Escuela de Valladolid, que fueron premiados en las exposiciones que anualmente ésta realizaba. La beca le procuró 540 pesetas en 1887 y 650, el siguiente año. En 1889 fue el Ayuntamiento vallisoletano el que la pensionó con 1.250 pesetas. Pero el nombre de la pintora es más conocida en Asturias y Aragón que en su ciudad natal, a pesar de que su obra “María Cristina y Alfonso XIII niño” siguen estando en las paredes de su Ayuntamiento, y que en la Academia de Bellas Artes de la Purísima se custodian varios de sus dibujos y óleos.

Asimismo, fue la única pintora que perteneció a la Colonia Artística de Muros de Nalón, una experiencia plenairista que se desarrolló a partir de 1884 en ese pintoresco lugar asturiano. En esta experiencia no sólo participaban pintores, sino que también lo hacían literatos y diletantes.  Marcelina estuvo en Muros durante tres veranos y su estancia fue muy positiva ya que realizó numerosa obra que presentó a concursos y certámenes porque, en esos momentos, únicamente se dedicaba a estudiar y a pintar.

Conoció a Enrique Jardiel Agustín, estudiante de Ingeniería de Caminos, Canales y Puertos y rápidamente congeniaron ya que les unían sus aficiones artísticas y literarias y el ser los dos algo bohemios. Se casaron en 1895 y tras su matrimonio firmó muchas de sus obras como “Poncela de Jardiel”. Tuvieron cuatro hijos, de los que sobrevivieron tres, uno de ellos fue célebre comediógrafo Enrique Jardiel Poncela.

A partir de su matrimonio sus veranos se desarrollaron en el pueblo aragonés de Quinto de Ebro, al que la familia acudía durante uno o dos meses y en los que se sentía feliz alejada de las clases y de las labores del hogar y se dedicaba a pintar. Era tal su vocación que incluso se olvidaba de comer cuando trabajaba.

Durante sus paseos descubría lugares que inmortalizó con sus pinceles y que son un documento histórico en la actualidad, ya que muchos de ellos han desaparecido porque en esta zona estuvo el frente del Ebro durante la guerra civil de 1936.

En la  Escuela Central de Maestras de Madrid, Marcela ejerció desde un plaza provisional y en 1898 la plaza salió a concurso, aunque fue apta para el puesto fue destinada a la Escuela Normal de Zaragoza. La vallisoletana tuvo que renunciar a su carrera profesional, debido a la obligada crianza de sus cuatro hijos. En aquellos momentos, la mujer tenía que vivir inexcusablemente en el domicilio del marido, que era su representante legal, administrador y propietario de los bienes gananciales e incluso de los que ella aportase con su trabajo, según el Código Civil de 1889.

Poncela participó en todas las Exposiciones Nacionales celebradas entre 1892 y 1915, obteniendo dos medallas y varias menciones de honor. Acudió también a las Bienales del Círculo de Bellas Artes y a la Exposición Internacional de 1892, donde obtuvo una mención.

Su producción artística es rigurosamente académica, por lo que siempre se advierte la gran técnica de su formación. Tuvo un gran reconocimiento, especialmente  como paisajista, aunque también lo tuvieron sus trabajos sobre la figura, el bodegón y los temas florales. En ellas el dibujo es siempre la base de sus composiciones al que acompaña la representación de la luz, del aire y de la atmósfera sin olvidar en ningún momento el uso de la perspectiva, buscando la verdad y la realidad.

En su último período su pintura fue esencialmente colorista. Son obras intimistas con un colorido simbolista, que nos remiten al regionalismo con el cierto sentido renovador que se dio en España entre 1906 y 1917. Fue el momento en el que, en el mundo artístico se puso de moda “lo español” que ya había anticipado unas décadas antes Gustavo Doré en 1874 con su obra “L’ Espagne”, con la narrativa romántica de su época, al igual que sus paisanos Theophile Gautier, Prosper Mérimée, Víctor Hugo, Alexandre de Laborde y sobre todo George Bizet y su ópera Carmen de 1875. Este sentimiento también se produjo en la arquitectura, pero entre los compositores nacionales, Falla, Albéniz y Granados realizaron composiciones que aún, en la actualidad, se identifican mundialmente con el alma española.

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