viernes, 29 de mayo de 2020

Alfonso Daniel Rodríguez Castelao

  

Mariano Rodríguez Dios, de familia de carpinteros de ribera, se casó con Joaquina Castelao Gemme, de posición social más acomodada que la suya. Al poco de casarse y de nacer su primer hijo. Alfonso Daniel,

 Mariano hubo de emigrar a Argentina al no poder aportar suficiente dinero para el mantenimiento de la casa. Su mujer contaba con parientes en Rosario, concretamente Francisco y Juan Castelao Gemme, emigrados en la década de 1880 y vinculados al negocio de la carpintería en la ciudad, quienes guiaron a Mariano en sus primeros pasos en el nuevo país. Sin embargo, Mariano no fue a Rosario. sino que acabó por establecer una pulpería en la Pampa húmeda,
 concretamente la pulpería  "La Cruz Colorada",  en el  departamento de Bernasconi, cerca del kilómetro 50 de la ruta 154, un lugar inhóspito en la época en la que el Castelao niño vivió allí con su familia: «En 1890 el territorio de La Pampa no estaba casi poblado, se estaba formando, aquel era un lugar solitario camino de La Colorada Grande, una explotación de salinas».

 Una vez establecido. llamó junto a él a su mujer y a su hijo. que embarcaron en Vigo en 1896 y permanecieron en Argentina hasta mediados de 1900. En este país nacieron sus hermanas Josefina ( 1897) y Teresa ( 1899). 

           

El joven Alfonso antes de su posterior conversión al galleguismo. era un típico hijo de indiano gallego de la época, un comportamiento para nada inusual, por lo demás, en la Galicia de la época. El mismo Castelao recordaría más tarde en su relato "O inglés» 


(incluido en Retrincos, 1934) cómo el mismo. con apenas doce años de edad, se había contagiado de la movilización españolista que impregnara las actitudes de la colectividad inmigrante gallega de la Argentina con motivo de la guerra colonial de 1895-98.


                              O INGLES


Eu quixen asesinar a un inglés, por patriotismo.
O caso aconteceu na Pampa Central da República Arxentina e no tempo da guerra de Cuba.
Era eu daquela un melido rapaz de doce anos, apouvigado pola morriña das paisaxes nativas, acabadas de deixar, e pola tristura dos campos en que me vía forzado a vivir.

As lendas e contos deprendidos na lareira paisán dos meus avós, acuciaran a miña maxinación e deran azos á miña credulidade, de tal xeito que non somentes daba creto a tódalas barballoadas dos nosos periódicos, senón que as súas informacións parecíanme ruíns e cativas. Eu era, pois, un gran patriota belicoso, porque tamén a miña patria era grande e forte, como a dun inglés, como a dun alemán… A enxurrada patrioteira que levaba tantos e tantos emigrados á guerra de Cuba, levara tamén o meu probe siso de neno.

Cicais o sangue mariñeiro dos meus antergos determiñou en min aquela afervoada preferencia polo noso podería naval. E nas paredes da tenda do meu pai foron aparecendo, a maneira de afiches, os barcos da escoadra española, pintados da miña man.


Para representar mellor a forteza dos nosos navíos sempre lles poñía dúas chemineas de máis, todas botando fume: un fume mouro, terriblemente tráxico. E logo, debaixo de cada barco, campaban letreiros fachendosos, ditados pola fogaxe patrioteira: «Ai do que se poña diante». «Non hai quen poida». «Para todos vós abonda un de nós»…


O inglés Don Guillermo viaxaba sempre con dous «gauchos » e moitos cabalos. Cada vez que baixaba das súas terras de Río Negro durmía na nosa casa. Era home de maneiras fidalgas, e no cinto de coiro locíalle sempre un revólver con mango de nacra: argumento terríbel naquelas terras.

Cando Don Guillermo reparou nos meus dibuxos escachifouse de risa, i entón correspondín a tal ofensa con ditos alporizados que aumentaron a súa ledicia. Cómpre decirvos que eu era madeira de héroe ou de mártir, e para servir á miña patria tanto me daba matar como morrer; mais o inglés —humor de lima xorda— turrábame polo xenio, volvíame tolo de carraxe, e dispois bulrábase dos meus denostos. Quen poidera facerlle comer aquel revólver de mango de nacra! ¡Quen poidera ollalo morto, aberto en canal e pendurado!
Cantas veces pasou por alí D. Guillermo tantas veces me fixo adoecer de carraxe; mais eu sabía que o trunfo da escoadra hespañola daríame forzas dabondo para esmagar a fachenda daquel inglés nifroso.

Tamén adoitaba durmir na nosa casa un andaluz garuleiro, tan patriota coma min. O andaluz sabía sempre moito máis do que contaban os periódicos, e as súas trapalladas eran dispois as armas con que eu combatía ó inglés. Un día sioume que estaban arrombando o submariño Peral; pero que o Goberno non quería que se soupese.
Eu xurei garda-lo segredo, e non puiden cumpli-lo xuramento. O inglés tanto me fixo desquerer, bulrándose dos nosos barcos, que nun lampo de xenio descobrín todo:
— Pois eu dígolle que xa se poden poñer en contra de nós tódalas escoadras do mundo xuntas, porque… porque estamos arrombando o submariño Peral.
O desastre de Santiago de Cuba derrumbou as miñas ilusións, e non sería doado descrebir agora o infinito desespero en que me vin sulagado. Por aqueles días pasou o inglés, e doído cicais da miña tristura xa non se bulrou dos meus barcos; pero fireume con estas verbas sarcásticas:
— Agora tendes a escoadra submariña máis grande do mundo…
Endexamais dixera Don Guillermo semellante cousa, pois no mesmo intre decidín asesinalo. A onda roxa non deixaba acouga-la miña maxinación, e por adiantado gorentei as regalías do crime. Nada podía arredarme de luxa-las mans: era en ben da miña patria, asoballada pola desgracia.
Ouh, o plan criminal era do demo! No fío das dúas da noite entraría de esguello no apousento do meu nemigo. Andando a modiño, no bico dos pés, chegaría cabo do leito e de súpeto, ¡zas!, espetaríalle un coitelo na gorxa. Eu vía saí-lo sangue do inglés, a cachón; eu ollei como esperneaba para morrer, e nin o máis lene remorso abalou a miña concencia.
Aquela noite deiteime cos ollos ben abertos, apreixando na man o coitelo de mata-los carneiros. O reló do comercio tardou tanto en da-las dúas que fun vencido polo sono…

Cando despertei batía o sol no lombo da Pampa. O inglés salvárase de milagre.



Ese mal recuerdo  en sus alusiones literarias a la soledad de la Pampa. a la "moura fartura" de la etapa migratoria (“Retrincos”), y al sufrimiento del niño Castelao y de su madre en la solitaria e inhóspita pulpería de su padre. 

"Tiña eu once anos cando meu pai, que estaba na Arxentina, nos chamou cabo de sí, e alá fomos embarcados, a miña nai e máis eu, nun paquebote alemán. E axiña de arribar a Bos Aires pillamos un tren que corría moito e logo outro tren que corría pouco e dispois un coche de cabalos que nos levou a tombos polo deserto da Pampa. Naquela soedade plantara meu pai  unha casa para facerse rico, cavilando sempre nos oidos nativos, i era forza pechalos ollos ao ciricio traballo en espera do retorno feliz.

E igualmente se aprecia en su descripción tanto del ambiente más bien sórdido de la pulpería”. 

"A nosa casa era o Centro comercial de dez légoas a redonda. Alí vendiamos de todo e alí mercabamos canto producía o país: lan, coiros e prumas. O mostrador do comercio estaba defendido con reixas de ferro, porque na nosa casa -portelo obrigado de moitos vieiros- paraban a de cotío "gauchos" bravos, afeitos a tomarse de bebida para aldraxarnos co coitelo na  man.

Eu doíame de durmir enriba do mostrador en compañía do outro dependente. Miña nai, a probe, choraba de verse entre xente sen relixión. E os dous, feridos de saudade, botabamos de menos a pobreza limpa dos meus abós que xa se tornara azul diante da moura fartura do presente.


Y, casi seguramente, también en el dolor que le produciría sentirse castigado por su padre por no mostrar aptitudes para el comercio. No es la única vez que la influencia paterna chocaría con su voluntad. Regresado a España, se gradúa en medicina, profesión que tempranamente decide abandonar. Castelao rubrica la decisión con la ironía propia de quien es capaz de caricaturizarse y satirizarse  a sí mismo:"Fíxenme médico por amor a meu pai; non exerzo a profesión por amor á humanidade”. 

miércoles, 27 de mayo de 2020

CICLOPES


Grabado de Erasmus Francisci zu Nürnberg (1627-1680), en el que aparece un cíclope.

Los cíclopes son seres salvajes y gigantescos, con una fuerza descomunal y un solo ojo. Tienen tendencias antropófagas y viven en grandes cavernas.
                                                      Odilon Redon

Algunos son hábiles forjadores y otros pastores, cuya única riqueza consiste en sus rebaños.
                                Jacob Jordaens
                             
El más famoso de los cíclopes es Polifemo, al que Ulises deja ciego en una de sus aventuras al regresar a Ítaca

                                      El cíclope Polifemo, por Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, 1802.

En el viaje de regreso de Ulises a Ítaca, Ulises y una docena de sus hombres desembarcaron en la Isla de los Cíclopes. Todos fueron capturados rápidamente por Polifemo y encarcelados en su cueva. Polifemo hizo rodar una enorme piedra a través de la entrada de su cueva para evitar que escaparan. 

                                                              Arnold Böcklin

 Cuando vuelve  el Cíclope con su rebaño se puso a ordeñar sus ovejas y sus cabras. Después de esto, se comió a dos de los compañeros de Ulises, y éste tuvo una idea: emborracharle.

                                     
                                                                 Joseph Mallord William Turner

                             Y así fue, le dio vino y después de emborracharle el cíclope cayó de espaldas y le venció el sueño. Ulises aprovechó para coger una estaca de olivo y la prendió en llamas y se la clavó en el único ojo que tenía Polifemo.




                                                               Alessandro Allori



  Al día siguiente, Polifemo quitó la enorme roca que había puesto en la entrada para sacar a pastar a su rebaño y Ulises y sus compañeros pudieron escapar bajo los animales. Las risas que profería Ulises, una vez embarcado, enfurecieron aún más al cíclope que les tiró rocas para hundir el barco, pero sin éxito. 






martes, 19 de mayo de 2020

Carolina Muchnik


Carolina Muchnik nace en Diamante, en la provincia de Entre Ríos, Argentina. Su obra es tan extensa como variada, ya que se ha dedicado a la pintura (óleo, tinta, témpera), el colagge, el dibujo y la escultura con el mismo talento.
Entre 1960 y 1977 expone en los más importantes museos y muestras colectivas de Buenos Aires como “La Mujer en el arte” en el Museo de Arte Moderno, “150 años de pintura argentina” en el Museo Nacional de Bellas Artes, “10 Pintores argentinos” en la Galería Basa, “Artistas argentinos” en la Galería Perla Figari, entre otras.

También ha expuesto sus propias series como “El hombre” en la Galería Van Riel, auspiciada por el Museo de Arte Moderno (1960), “Café de París” en la Galería Rioboo, auspiciada por la embajada de Francia y el Museo de Arte Moderno (1963), “Insomnios” en la Galería Lascaux (1967), “Testimonios” en la Galería Witcomb (1968), “Ídolos y mitos de Buenos Aires” en la galería Altos de Florida (1969), “He visto las piedras” en la Galería Esmeralda (1971), “Seres”, “Ámbitos”, “Ciudades” en la Galería Wildestein (1979), “Mitos y realidades de Buenos Aires” (1981), Retrospectiva en el Museo de Arte Moderno (1984) y “Desde la India” en el Centro Cultural Las Malvinas, auspiciada por la Secretaría de Cultura de Buenos Aires.
Del mismo modo que su obra se destaca en la Argentina, lo hace en el exterior, especialmente, en las Galerías de la Madelaine, L’Antipoete, Marignan, Marcelle Bernheim, Soulanges, Maison de L’amerique Latine y en el Museo de la Ville de París. Entre 1960 y 1963 expone en Bruselas, en la Galería de Poupee, Marignan, Le rouge et Le Noire y Studio 65. En 1962, en Düsseldorf, en la Galería Malkasten y en San Pablo, en el Museo de Arte Moderno. En 1964, en Leija, en la Galería Jean Dois y en Washington en la exposición “Neo Figurative Painting”.

 En 1965, en Boston, en Brandeis University. En 1971, en Jerusalén Retrospectiva. A partir del conocimiento de su obra en el mundo es reclamada por museos y entidades para exhibir sus pinturas. En 1987 es invitada por el Ministerio de Cultura de China a exponer su obra en el Museo de Bellas Artes de Beijin. En el mismo año el Citibank de Nueva York la invita a exponer sus pinturas en sus vidrieras y en las paredes internas del banco. Y en 1991 es invitada por el Au Musee Deutsch para exponer sus obras.
Sus pinturas y dibujos figuran en museos de Argentina y de Europa. A la vez integran importantes colecciones privadas de Jerusalén, Nueva York, Washington, Boston, Filadelfia, Ginebra, Bruselas, París, Nueva Delhi y Buenos Aires.
Las obras de Carolina Muchnik no han sido presentadas en concursos ni certámenes.

EL LIBERAL DE SAN ISIDRO

lunes, 18 de mayo de 2020

TIEMPOS DE CONFINAMIENTO


Amigo mío, confieso, me he levantado con un humor de perros, ya he rugido dos veces y no sé que hacer...Quizás ya no soy de este mundo... Ayer me llamó Cris y sin dejarme decir ni palabra comenzó una disertación interminable... yo muda y ella..."no me interrumpas, no me digas que es un discurso filosófico"...entonces me pregunto ¿Será esto consecuencia de algún aire del sur? A ver, cambio físico?... 

Bueno tambien podría ser consecuencia de vernos algunas veces al espejo con las gafas puestas. Lamento que el oponente ya haya recibido un par de gritos, bueno, supongo que algo se merece. Creo que la raíz está en la llamada de mi asesor. Me pregunta el PIN de hacienda. Mi impulso sería decir ¿Que coño de PIN? Pero no lo hice y hoy busqué en internet como conseguirlo. Gracias a mi hija lo tengo y....el fallo del oponente fue vernos con cara de desconfianza...esa mirada de "mujeres al fin y al cabo........!SSsssshhhhh, ya se me está pasando......

domingo, 10 de mayo de 2020

Andy Warhol y la Velvet Underground: una historia de amor, odio y mucha genialidad




En la década del '50, el Cafe Bizarre, en el Village neoyorquino, era el espacio para los beatniks en la Gran Manzana y a partir de esta experiencia se transformaría en un espacio de vanguardia, donde la música y la poesía se fundían libres y donde los artistas locales pasaban sus horas.
            Allen Ginsberg, Peter Orlovsky, Barbara Rubin, Bob Dylan y Daniel Kramer
Allí, a inicios de los 60, cuando los hipsters debían renunciar a su espacio como movimiento juvenil para dejárselo a los hippies, The Velvet Underground (VU) tocaba sus primeros acordes, aunque aún allí, su sonido innovador, fue demasiado y al tiempo no los volvieron a contratar. Sin embargo, en 1965 un joven descendiente de eslovacos, que ya se destacaba en el Pop Art con muestras en ambas costas de EEUU -donde expuso entre otros su Díptico de Marilyn y las famosas -y polémicas- Latas de sopa Campbell, quedaba maravillado ante el show que el resto abucheaba.
En el marco de la muestra Andy Warhol Underground, que hospedó el parisino Centro Pompidou, su curadora, Emma Lavigne, comentó: "El pop art fue fundado por Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Andy Warhol sólo se unió. Por eso quería crear algo diferente".



Warhol vio el film y quedó extasiado. Quería que formase parte del show multimedia que estaba preparando, en el que se mezclaba video, con juegos de luces y música. Una vez cerrada la parte musical y lumínica, la gran duda era quién podría darle vida musical al espectáculo. Y Rubin le recomendó a Cale y su banda: The Velvet Underground.
La Velvet era ya una banda conformada que tenía dos liderazgos muy fuertes: el de Cale, de formación clásica, discípulo La Monte Young, músico vanguardista y padre de la composición minimalista, y Lou Reed, un letrista inusual, que había recibido tratamiento de electroshock en su adolescencia por sus tendencias bisexuales, y que se había volcado a la poesía durante la universidad y que ya soñaba con escribir "la Gran Novela Americana" en un disco de rock. Luego se sumaría a VU Sterling Morrison, en guitarra, y Maureen Moe Tucker, en la percusión, quien aportó un sonido tribal inusual para la época.
"Sterling Morrison era un intelectual que parecía unir la escena artística de John Cale con el mundo del rock and roll de Lou Reed", comentó Billy Name, asistente de Warhol y decorador del famoso estudio The Factory.
En una entrevista con Red Bull Music Academy, Cale recordó: "Realmente no teníamos mucho equipo. Fue muy divertido, poner una guitarra, voz, viola y un bajo a través de dos amplificadores. El minimalismo que escuchas fue mucho peor más adelante. Luego apareció Andy y, de repente, estás en una liga completamente diferente".
Para Reed, el encuentro con Warhol fue casi un guiño del destino, un evento que no podía haberse evitado: "Estábamos hechos el uno para el otro. Las canciones escritas antes de nuestro encuentro ligaban perfectamente con los temas de sus películas. Andy nos dio la oportunidad de convertirnos en The Velvet Underground. Antes, no éramos nada y no interesábamos a nadie".
Así, VU se sumaba al show multimedia, que ya tenía nombre: Exploding Plastic Inevitable y que además contaba con bailarines diversos y una estética sadomasoquista. Y la Velvet era perfecta, no solo por su música, por su presencia, sino porque a fin de cuentas, el nombre de la banda provenía de un estudio psiquiátrico sobre la desviación sexual.
En su libro POPism: The Warhol Sixties, el artista plástico escribió: "La idea del Pop, después de todo, era que cualquiera podía hacer cualquier cosa, así que, naturalmente, todos estábamos tratando de hacerlo todo. Nadie quería quedarse en una categoría; todos quisimos ramificarnos en cada cosa creativa que pudimos; es por eso que cuando conocimos a The Velvet Underground a fines del '65, también estábamos todos para entrar en la escena de la música".
El escenario era The Factory (La Fábrica), el hoy legendario estudio del que Cale dijo "no se llamaba así gratuitamente, se producían en cadena las serigrafías de Warhol y mientras alguien estaba haciendo una, otra persona estaba rodando una película o sacando fotografías. Cada día ocurría algo nuevo". El espacio era ya visitado entonces por otros grandes artistas como Truman Capote, Allen Ginsberg, William S. Burroughs, Salvador Dalí, Bob Dylan y Mick Jagger.
"Se inspiró en esa constelación de artistas que malvivían en el Lower East Side, a la que ayudó económicamente, pero también en los herederos de la Generación Beat las figuras del movimiento Fluxus y los dioses de la contracultura como Rauschenberg, John Cage, Merce Cunningham o Jonas Mekas", dijo Lavigne, del Centro Pompidou.
El debut de la banda se produjo el 13 de enero de 1966, cuando Warhol fue invitado como entretenimiento para la cena anual de la Sociedad de Nueva York para la Psiquiatría Clínica, que se celebró en Delmonico's Hotel. Los médicos que asistieron a aquel evento, no lo recordarían con cariño.
En el libro de ensayos Women's Experimental Cinema: Critical FrameworksAra Osterweil realizó un capítulo sobre Barbara Rubin y narró la experiencia: "Irrumpía en la habitación con una cámara, mientras The Velvet Underground torturaba acústicamente a los invitados y Gerard Malanga y Edie Sedgwick realizaban la "danza del látigo" en el fondo, Rubin se burlaba de los psiquiatras asistentes. Lanzando luces cegadoras en sus rostros, Rubin realizaba preguntas peyorativas como: '¿Cómo se siente su vagina?' '¿Su pene es lo suficientemente grande?' '¿La comiste?' Cuando los horrorizados invitados comenzaron a irse, Rubin continuó su interrogatorio: '¿Por qué te avergüenzas? Eres un psiquiatra; se supone que no debes avergonzarte'". El show Exploding Plastic Inevitable era realmente explosivo e inevitable y aquella performance los llevó a The New York Times, que título un artículo "Shock Treatment for Psychiatrists" (Tratamiento de shock para psiquiatras").
La banda funcionaba, pero a entender de Warhol le faltaba algo, su marca. Así ingresó al grupo Nico (Christa Päffgen), una cantante, actriz y modelo alemana que era más reconocida por su belleza que por su capacidad vocal, aunque en su país ya había tenido algunos singles con cierto éxito. Nico era una de las "Superestrellas" de Warhol, una de esas figuras con las que se obsesionaba como lo fueron también Baby Jane Holzer, Edie Sedgwick, Viva, Candy Darling y Ultra Violet, entre otras, y que personificaban su famosa frase: "En el futuro, todos serán famosos durante quince minutos".
La introducción de Nico trajo más conflictos que acuerdos, ella ya tenía su estela de cantante pop y no encajaba en el concepto de la banda, pero no era una cuestión abierta a debate, sino la decisión de Warhol. Y Nico se hizo su lugar.
"Andy era un catalizador, siempre juntando elementos discordantes. Que no fue algo que siempre me hiciera feliz. Entonces cuando puso a Nico en la banda, nuestra respuesta fue de desconfianza, dijimos 'Hmmm'. Y él nos dijo que lo hacía porque 'necesitábamos tener un chanteuse (cantante mujer)'. Le dije: 'Oh, Andy, por favor'", recordó Lou Reed a la revista Rolling Stone.
El 12 de marzo de 1967 salió el disco debut: The Velvet Underground & Nico. En ese momento el ranking de la Billboard era liderado por The Supremes, con Love Is Here And Now You're Gone y en el resto del top ten se encontraban Johnny Rivers, The Mamas & The Papas y The Beatles , entre otros que no atravesaron el tamiz del tiempo.
El '67 no fue un año más en la historia de la música, aquel año salieron muchos discos que en la actualidad son considerados clásicos, como Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band (The Beatles), Are You Experienced (The Jimi Hendrix Experience),  I Never Loved a Man the Way I Loved You (Aretha Franklin), John Wesley Harding (Bob Dylan), Buffalo Springfield Again (Buffalo Springfield), Songs of Leonard Cohen (Leonard Cohen), The Doors (The Doors), Surrealistic Pillow (Jefferson Airplane) y Disraeli Gears (Cream), entre otros
El álbum, que salió bajo el sello Verve Records, tuvo el arte de tapa realizado por Warhol, quien también fue su productor, aunque el artista no tenía conocimiento musical por lo que su aporte, en palabras de Reed, fue "mantener a las personas alejadas".
"Fuimos firmados por Andy. Y él tomó todas las críticas. Dijimos, 'Él es el productor', y él simplemente se sentó allí. Luego, MGM dijo que querían traer un productor real, Tom Wilson, que tuvo influencia en Sunday Morning, con todos esos doblajes: la viola en la parte posterior, Nico cantando. Pero no pudo deshacer lo que ya se había hecho".
Si bien es considerado como uno de las obras más influyentes de la historia por la Rolling Stone, en ese momento la realidad fue otra: un rotundo fracaso comercial, con solo 30 mil copias vendidas en cinco años. Brian Eno, prestigioso compositor británico de música electrónica y experimental, alguna vez comentó: "De su primer álbum apenas vendieron 30.000 copias; pero de cada comprador nació un nuevo grupo musical".

La relación de Reed con Warhol empeoró con el tiempo, de acuerdo a Cale porque el autor del Transformer, Berlin Metal Machine Music no terminaba de aceptar todo el circo que significaba estar bajo la estela de Warhol, ese estado de publicidad constante.
En una entrevista, Reed recordó el momento de la separación abrupta: "Se sentó y habló conmigo. 'Tienes que decidir lo que quieres hacer. ¿Quieres seguir tocando en museos y festivales de arte? ¿O quieres comenzar a moverte a otras áreas? Lou, ¿no crees que deberías pensar en ello?', me dijo. Y Reed lo pensó un poco y fue terminante: "Lo despedí porque pensé que esa era una de las cosas que debíamos hacer para alejarnos de eso. Él estaba furioso. Nunca había visto a Andy enojado, pero lo hice ese día. Él estaba realmente enojado. Me llamó rata. Eso fue lo peor que se le ocurrió".
Red Bull Music Academy, Cale sumó: "La forma en que (Reed) lo manejó y la forma en que lo hizo fue realmente destructiva. Quiero decir que simplemente hizo explotar a la banda y despidió a Andy sin decírselo a nadie, y fue como, '¿Qué?'".
Para 1968, VU ya había desplazado a Nico y saca su segundo disco: White Light/White Heat, más oscuro aún que el del debut y el último que contará con John Cale, que al poco tiempo dejó la banda por un conflicto de estilo: "El problema con los Velvet siempre fue un conflicto entre hacer canciones revolucionarias, como 'Venus in Furs' y canciones bonitas", dijo a Vulture.
Ese año, dos días antes del asesinato de John F. KennedyValerie Solanas, una escritora feminista radical estadounidense, intentó terminar con la vida de Warhol disparándole tres veces en The Factory. El artista, atemorizado, se mudó a Union Square y se dedicó a sus serigrafías. El tiempo de la experimentación romántica había terminado para el artista plástico para dejarle lugar al comercio realizando obras por encargo a muchísimos famosos, entre otros emprendimientos, mientras que la Velvet lanzó dos discos: The Velvet Underground (1969) y Loaded (1970). Existieron luego otros discos, pero ya sin Reed, ni Cale.

Warhol murió el 22 de febrero de 1987, tras una operación de vesícula. Cuando ingresó a la sala de operaciones del New York-Presbyterian Hospital sufría un caso severo de deshidratación, llevaba días sin comer, y su vesícula estaba gangrenada. Luego de la intervención permaneció consciente por unas horas, pero su cuerpo no lo soportó.


jbatalla@infobae.com


viernes, 8 de mayo de 2020

FELIPE CRIADO



( Gijón, Asturias 08/01/1928 - A Coruña, 23/11/2013 )
 Hijo de padres castellanos, vive su infancia en Asturias, Cataluña y Santander, hasta que se afinca en Galicia. Es catedrático de dibujo en un instituto de enseñanza media de A Coruña, y anteriormente ejerció la docencia en Santiago, en la Escuela de Artes y Oficios, ciudad en la que formó parte del inolvidable grupo plástico "Maestro Mateo". 


Cursó la carrera de Bellas Artes. También estudios de Medicina y Anatomía, y de modelado en Compostela, bajo la dirección de Asorey, a quien le hizo un expléndido retrato que sorprendió en una de las primeras Bienales Hispanoamericanas de Madrid, a principio de los cincuenta, y conserva la Universidad de Santiago. Ha realizado numerosas exposiciones en ciudades de toda España, y su obra se ha extendido por el mundo, ya que ha participado en colectivas oficiales, como invitado. Está representado por los museos de Madrid y de toda Galicia, así como de otras provincias españolas. 


Es autor de un magnífico libro de dibujos, "37 debuxos para un país", con textos de García Sabell, Fernando Mon, Laureano Alvarez y el autor de estas líneas. La pintura de Felipe Criado pertenece al expresionismo neobarroquista. Es lúdica, alegre, expresiva, basada en un magnífico diseño y en una paleta rica, caliente. Sinoptiza sus criaturas, en un alarde de curvas de composición rítmica excelente, dotándolas de una ironía muy peculiar. Retratista firme, excelente paisajista, especialmente en temas de mar, y diseñador de cerámica. Se trata en fin, de un espíritu plástico, capaz de dotar de personalidad a cuanto toca.

afundacion