Aleah Chapines una artista que desarrolla su obra retratando a las personas de su alrededor. En cada lienzo capta la esencia de la persona retratándola tal y como es en ese momento. Especialmente sus cuadros se centran en las figuras femeninas, las mujeres de su entorno y las vivencias que ellas llevan intrínsecas en su piel.
En una sociedad donde se «retoca» hasta la piel de una adolescente para eliminar «imperfeciones», Aleah Chapin rompe con lo establecido y con la estética de muñeca de porcelana para volver al realismo más estricto. Ella retrata la fugaz belleza de cada una de las mujeres que pinta.
Mujeres vestidas únicamente con la confianza de sentirse a gusto consigo mismas, sin nada de ropa. Sólo con sus arrugas, manchas de la piel, pecas, bello, cabellos canos y algún que otro tatuaje.
Nacida en 1986, Aleah Chapin se crió en una isla al norte de Seattle, Washington. Se licenció en Bellas Artes en el Cornish College of Arts en 2009 y obtuvo el Master en Bellas Artes en la Academia de Arte de Nueva York en 2012.
También obtuvo una beca en el Programa Internacional de Arte de Leipzig en Alemania y en MacDowell Colony en New Hampshire. Las exposiciones recientes han incluido una invitación para exponer en la Academia Estadounidense de Artes y Letras, Nueva York; en la colección Ingram: Bodies, Woking, Reino Unido y una exposición individual, Within Wilds en Flowers Gallery, Londres.
Ha recibido el premio Willard L. Metcalf en arte de la Academia Estadounidense de Artes y Letras, la Beca de la Fundación Posey, la Beca de la Fundación Elizabeth Greenshields, una beca de posgrado de la Academia de Arte de Nueva York y ganó el Retrato de BP. Premio en la National Portrait Gallery de Londres en 2012.
Aleah ahora vive y pinta en el noroeste del Pacífico, donde la gente y el lugar de su hogar son la base de su trabajo.
Referencias
https://totenart.com/noticias/aleah-chapin-la-belleza-eterna/ y su página personal
Agnes Emma Richter, una costurera alemana, tenía 51 años cuando fue ingresada, en 1895, en laInstitución Psiquiátrica Hubertusberg cerca de Dresde, Alemania.Richter
fue trasladada inicialmente a una institución mental cerca de su casa
después de que sus vecinos presentaran varias quejas sobre su
"comportamiento errático".
Agnes estaba convencida de que sus vecinos estaban planeando robar su dinero y finalmente lastimarla o matarla.Se obsesionó con este peligro y se le diagnosticóunaparanoiaextrema.
Al ser ingresada en el psiquiatrico, Richter tenía que vestirse con el uniforme institucional y someterse a los procesos y rituales de la vida de la institución.En un esfuerzo por mantener algo de su identidad y denunciar el confinamiento y la violencia aprovechó su camisa de fuerza para redactar diferentes peticiones.
Usó su uniforme y su camisa de fuerzacomo un "diario", cosiendo palabras directamente en la tela.
La vida en los manicomios a finales del siglo XIX estaba altamente reglamentada. Mientras que los pacientes varones trabajaban la tierra o en talleres para fabricar zapatos o muebles, se esperaba que las mujeres limpiaran, cosieran, tejieran y lavaran uniformes y textiles institucionales.
Si bien gran parte del texto cosido en su ropa se ha deteriorado con el tiempo, algunas de las líneas aún legibles dicen cosas como "No soy grande" y "Estoy en Hubertusberg".Richter también agregó sunúmero de paciente a la chaqueta en varios lugares, tal vez como un esfuerzo por preservar su identidad allí.
También cosió fragmentos de texto sobre sus deseos y necesidades, que incluían "sin cerezas" y "Deseo leer", así como comentarios como "Me sumerjo de lleno en el desastre".Es evidente que Richter usaba la chaqueta a diario por el sudor y las marcas de suciedad que aún permanecen en ella.
Lamentablemente, Richter pasó el resto de su vida en el manicomio.Murió en Hubertusberg en julio de 1918. Su chaqueta, "un arma de resistencia a las limitaciones de la feminidad", fue redescubierta en 1980 y sigue viva en laColección Prinzhornen Heidelberg.Más de un siglo después, el mundo sigue fascinado por los recuerdos dela lucha creativadeuna mujer por preservar su propia identidad en un entorno destinado a despojarla de ella.
Nacida en Armidale, Australia, en 1879. Sus padres se divorciaron cuando ella era una niña, por lo que tuvo una infancia dificil. Comenzó sus estudios de arte con Julian Ashton en Sydney cuando tenía dieciséis años.En la escuela de Ashton, sus compañeros de estudios incluían a George Lambert, con quien estaría estrechamente asociada en público y privado durante los siguientes treinta años.
En 1903, deseando aprender a dibujar, viajó a Londres, donde se estableció con Lambert y su familia.Se convirtió en una de sus modelos favoritas, una habitual en su hogar y su alumna.Se matriculó en la St
John’s Wood School of Art de Londres en 1903. Trabajó en Londres desde 1903 hasta 1921, asociándose con sus
compañeros expatriados australianos Charles Conder , Arthur Streeton y
Tom Roberts.
En el centro de la ciudad y los suburbios del este se convirtió en una figura familiar, inmaculadamente vestida caminaba majestuosamente, sombrilla en mano enguantada, buscando lo bello.
Produjo dibujos a lápiz, acuarelas decorativas, abanicos y pirograbados
japoneses. Proctor también se inspiró en una actuación de los Ballets
Russes que vio en 1911. La encontró «hermosa e inspirada» y su trabajo
decorativo se inspiró en los bailes de Chelsea Arts Club y su elaborado
vestuario realizado con hermosas telas.
Expuso en la Royal Academy of Arts y en el New English Art Club , que
luego produjo litografías que se exhibieron en el Senefelder Club y en
la London Goupil Gallery para la Sociedad Internacional de Escultores y
Pintores.
A su regreso a Australia en 1921, que coincidió con la de Lambert, inmediatamente pasó a ocupar un papel importante en el volátil mundo del arte de Sydney y a difundir sus ideas sobre arte moderno, decoración de interiores, moda, vestuario, ballet y cuestiones de gusto.en artículos, conferencias, clases formales, clubes de dibujo y en todos los eventos sociales y artísticos imaginables.Sorprendentemente hermosa, nunca se casó.Vivía en un pequeño apartamento alquilado en Double Bay, pero hasta principios de la década de 1960 también pudo mantener un estudio en George Street, donde había vivido antes de la Segunda Guerra Mundial.
En 1922 estableció su estudio, donde impartió clases. Se la consideró
como una de las primeras «modernas» en exponer en Australia, asistiendo
regularmente a inauguraciones de arte, siempre impecablemente vestida en
colores lavanda o violeta.
Al final de su vida promovió el trabajo abandonado de su primo John
Russell. Hasta el final de su vida siguió trabajando, concretamente
exponiendo en las Macquarie Galleries de Sidney.
Nació en Budapest (Hungría) en 1931, su familia sobrevivió a la
ocupación nazi y se mudó a Suecia a mediados de la década de 1940 y en
su adolescencia se trasladaron a Estados Unidos, donde se instalaron
definitivamente. Según la propia Agnes ha comentado, el repetido cambio
de idioma la convirtió en “una silenciada», lo que la impulsó a que se
concentrara en el lenguaje universal que son las artes visuales.
Estudió pintura en New School y en la Columbia University de Nueva
York. Pronto abandonó la pintura, debido a las limitaciones que el
lienzo imponía y se centró en las ideas que podía explorar en otros
medios y otras disciplinas artísticas.
A principios de la década de 1970, dejó su galería en la parte alta
de la ciudad para unirse a la Galería AIR como miembro fundador. Desde
entonces, ha participado en más de 450 exposiciones en galerías y museos
de todo el mundo y ha escrito 6 libros.
Agnes Denes es una de las figuras principales del movimiento
conceptual que surgió en Estados Unidos en los años 60 y 70 y es
conocida internacionalmente por ser pionera en varias corrientes
artísticas. Con sus proyectos ha investigado sobre ciencia, filosofía,
lingüística, psicología, poesía, historia y música.
En la década de los setenta la naturaleza dejó de ser un mero
contenido para convertirse en un campo de acción y este terreno Agnes
también fue pionera. Creó la pieza “Rice / Tree / Burial” en 1968 en el
condado de Sullivan, Nueva York, considerada como probablemente la
primera pieza a gran escala site-specific con preocupaciones ecológicas.
En la década de 1970 se sumó también al Land Art con su obra más
conocida “Campo de trigo: una confrontación”. Entre la primavera y el
verano de 1982 y con el apoyo del Fondo de Arte Público, plantó un campo
de trigo dorado de dos acres, en los vertederos de escombros que se encontraban cerca de Wall Street y del
World Trade Center, en el bajo Manhattan. La obra fue posible con ayuda
de doscientos camiones de tierra, se eliminó el grano de trigo y la
maleza, se fertilizó y se roció contra el hongo moho, después se cavaron
a mano 285 surcos. Las semillas fueron sembradas también a mano y se
estableció un sistema de riego. Se cosechó el 16 de agosto y produjo más
de 1000 libras de trigo dorado totalmente ecológico y el resultado en
imágenes fue de una belleza espectacular.
Otro de sus exitos artísticos más reconocidos es la pieza de 1996 “Tree
Mountain: una capsula del tiempo” un monumental movimiento de tierras
que ha dado lugar a un bosque matemático y un espacio de recuperación de
la naturaleza. La obra es el primer bosque virgen hecho por humanos y
está situado en Ylöjärvi, la parte oeste de Finlandia. En la actualidad
es un espacio legalmente protegido y lo será para los próximos
cuatrocientos años.
Dos años más tarde, plantó en Melburne 6000 árboles de una especie en
peligro de extinción con alturas variables formando cinco espirales,
creando una pirámide escalonada para que, cuando los árboles crezcan,
ayuden a aliviar la grave erosión de la tierra y la desertificación que
amenaza a Australia.
Por otra parte, Agnes Denes también es conocida por el uso innovador de
tintas metálicas y otros materiales no tradicionales para crear un
prodigioso cuerpo de dibujos y estampados exquisitamente representados
que delinean sus exploraciones en matemáticas, filosofía, geografía,
ciencia y otras disciplinas.
Toda la práctica artística de Agnes Denes se distingue por su
estética y su compromiso con las ideas sociopolíticas. Su obra se
encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno; el Museo
Metropolitano de Arte; el Museo Whitney de Arte Americano; el Museo
Hirshhorn y el Jardín de Esculturas; el Instituto de Arte de Chicago;
Museo de Arte Moderno de San Francisco; la Moderna Museet, Estocolmo; el
Centro Pompidou de París y el Museo de Israel entre otros muchos.
Denes es una habitual en conferencias extensamente en colegios y
universidades de todo el Estados Unidos y en el extranjero y participa
en conferencias globales. Es autora de seis libros y aparece en
numerosas publicaciones sobre una amplia gama de temas relacionados con
el arte y el medio ambiente.
Adelina Labrador González nació en Madrid en 1910 en el seno de una
familia de militares farmacéuticos y políticos, concretamente Celedonio
Sastre, fue alcalde de Ávila y creó una comisión que llevó al Vaticano
la petición de nombrar a Teresa de Ávila Doctora de la Iglesia.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y amplió sus
estudios en el Instituto Superior de Bellas Artes de París, donde fue la
primera mujer que obtuvo la categoría de «Muy Excelente».
Pasó la Guerra Civil en Barcelona, junto a su madre, en donde realizó
distintas colaboraciones meteorológicas, dibujando mapas del tiempo
junto al también abulense, Arturo Duperier. Tras la contienda, y ya en
Madrid, ingresó en la Asociación de Pintores y Escultores, donde fue
reconocida como Socia de Mérito.
Obtuvo la Segunda Medalla del Salón de Otoño de 1948 y concurrió a la
Exposición Nacional de Bellas Artes de 1950 con la obra titulada
“Tierras doradas”.
En la Hoja Oficial del lunes del 19 de febrero de 1951, encontramos
una reseña firmada por Sánchez-Camargo, en la que se lee: a modo de
crítica:
Adelina Labrador….esta pintora traduce en muchos de sus lienzos lo que le impone el sexo: sensibilidad”
En 1960 publicó el libro titulado “Ávila: fuente de inspiración para
todos los artistas”, publicado por la Fundación Gran Duque de Ávila y en
la que realizó las pinturas murales al fresco de la cúpula de la
Iglesia de San Antonio de Ávila, así como los sótanos del Torreón del
Palacio del Marqués de Velada.
Realizó además distintas labores de conservación y restauración en el
Monasterio de El Escorial y en la Catedral de Santiago de Compostela,
además de la Catedral de Ávila, la Basílica de San Vicente y otras
muchas iglesias de aquella ciudad.
Como conservadora, cabe destacar especialmente su trabajo en el Museo
del Marqués de Cerralbo, el Museo Sorolla y en El Prado de Madrid, donde
intervino distintas obras religiosas.
En los años sesenta, estudió enfermería en la capital y se vinculó al
Instituto Católico de París en Madrid, donde impartió clases de
francés, así como en el Colegio San José de Cluny de Pozuelo de Alarcón,
en Madrid que compaginó con las de dibujo.
Una de sus últimas muestras fue la que tuvo lugar en la Sala de
Exposiciones del Torreón de Lozoya, junto a Rosario de Novales Mantilla
de los Ríos, en agosto de 1980.
Desarrolló su obra pictórica por numerosos países europeos, como
Austria, Italia, Francia, Bélgica, Escocia y Holanda y sus obras están
expuestas en edificios y entidades oficiales, así como en colecciones
privadas de Estados Unidos, y Alemania.
Abulense de corazón, mantuvo una estrecha vinculación con Ávila y con
Zorita de los Molinos. Tras su jubilación estableció su residencia en
Ávila, ciudad en la que falleció en 1999.
Olga Kostakowsky Fabrikant, mejor conocida como Olga Costa, nació el 28 de agosto de 1913 en Leipzig Alemania. Fue una importante pintora que sin haber nacido en México, dejó huella en dicho país a través de su arte, de su fascinación por la cultura mexicana y su significativa labor, al haber fundado galerías, sociedades artísticas y espacios de conjunción para los creadores de su tiempo.
En 1914 la familia Kostakowsky se trasladó a Berlín al estallar la Primera Guerra Mundial, de donde huyeron 11 años después rumbo a México, a donde llegaron el 7 de septiembre de 1925 al puerto de Veracruz a bordo delEspagne.
En 1933 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes donde estudió pintura únicamente por unos meses bajo la tutela del pintor guatemalteco Carlos Mérida, de igual manera estudió en el taller de grabado de Emilio Amero. Ése mismo año Costa conoció al pintor José Chávez Morado con quien comenzó una relación amorosa y se casarían en 1935.
Olga y José se trasladaron a la ciudad de Xalapa, Veracruz en 1936, debido a que a Chávez Morado se le comisionó la realización de un mural en forma colectiva con los pintores Feliciano Peña y Francisco Gutiérrez, en la Escuela Normal de Xalapa. Olga comenzó a pintar con mayor constancia y realizó en ése entonces las primeras obras de su carrera artística ya de manera profesional.
Para 1940, Olga y José vivieron una temporada en La Rinconada, San Miguel de Allende, ya que Chávez Morado fue contratado como profesor de arte en una escuela para extranjeros. Su contrató duró solamente un año, así que para 1941 volvieron a la Ciudad de México para instalarse en el barrio de Coyoacán. Formaron parte del colectivo fundador de laGalería Espiral, de la que Olga Costa fue nombrada directora.
Para 1942, ya con varias obras en su haber, Olga Costa participó en la muestra colectiva13 Mexican Art Todayorganizara por elArts Club of Chicago. Un año después, se publicó el catálogoThe Latin American Collection of The Museum of Modern Artde Nueva York, en el que aparece una pieza de Olga, tituladaNiño. El 29 de diciembre de ése mismo año se inauguró elSalón de la Pintura 1943, en la Galería de Arte y Decoración dirigida por Eduardo Méndez y su esposa, Costa fue invitada a participar con la obraLa niña del gato.
En enero de 1945, presentó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano, con buena aceptación de la crítica y con numerosas reseñas en diversos periódicos y revistas. A finales de abril, recibió una invitación del Instituto de Intercambio Cultural Mexicano-Ruso, para realizar la donación de un cuadro para la creación de laSala Méxicoen el Museo de Arte Occidental Moderno de Moscú. También en ése año expuso de nueva cuenta en la Galería de Arte y Decoración, en elSalón de Pintura 1945, en compañía de Angelina Beloff, Luis Arenal, José Chávez Morado, Fernando Castro Pacheco, Francisco Goitia, Gabriel Fernández Ledesma, Francisco Gutiérrez, Alfredo Serrano, Manuel Rodríguez Lozano, entre otros.
En el mes de junio de 1948, Costa participó en la exhibiciónContemporary Mexican Painters enThe Fine Art Galleriesde la Ciudad de Toronto, Canadá. La exposición fue organizada en colaboración con la Galería de Arte Mexicano dirigida por Inés Amor y además de pinturas y dibujos de Olga Costa, se presentaron obras de Nefero, Jesús Guerrero Galván, José Chávez Morado, Rufino Tamayo, Juan Soriano, Alfredo Zalce, Raúl Anguiano, Alfonso Michel, José Reyes Meza, Feliciano Peña y Ricardo Martínez.
El 16 de noviembre de 1949 se fundó el Salón de la Plástica Mexicana, en el cual participaron junto a Olga Costa; Diego Rivera, Frida Kahlo, María Izquierdo y Francisco Dosamantes entre otros. En 1950 expuso en la Galería Kleeman de Nueva, al año siguiente realizó su famoso cuadroPuesto de frutas, posteriormente conocido comoLa vendedora de frutasoFrutas mexicanas, que es uno de sus pocos cuadros de gran formato y que es considerado como el mejor cuadro del tema frutal. Ése mismo año realizóCorazón egoísta, obra, que actualmente pertenece a laColección Andrés Blaistenen México.
Olga Costa fue una importante pintora sumamente activa en la vida cultural de México por más de 60 años, su producción pictórica es numerosa, abarcó el periodo de 1936 a 1988 y forma parte de importantes colecciones como la del Banco Nacional de México, la Colección Andrés Blaisten y la del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Expuso su obra en Nueva York (1950), París y Estocolmo (1952) y entre sus exposiciones individuales destacan: el homenaje del Festival Internacional Cervantino en 1989, la del Museo de Arte Moderno en 1990 y la que se realizó en 2013 en el Instituto Nacional de Bellas Artes para conmemorar el centenario de su nacimiento.
En 1979, Olga Costa y José Chávez Morado fundaron el Museo del Pueblo de la ciudad de Guanajuato, al cual donaron un lote de obras pictóricas y escultóricas de los siglos XVIII y XIX. A mediados de los años 80 se trasladaron a Albuquerque, Nuevo México con la finalidad de dar clases en el Taller Litográfico México Nueve de la Universidad de Nuevo México en E.E.U.U.
En 1990 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de Bellas Artes. El 28 de junio de 1993, Olga Costa murió a los 79 años en el Centro Médico Minero de Especialidades de la Ciudad de Guanajuato.
