jueves, 4 de marzo de 2021

ARTE NAIF

                                                 


                                        Henri Rousseau

Denominación que se aplica a la corriente artística caracterizada por la búsqueda de la candidez y la ingenuidad; por la espontaneidad, el autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y antinaturalistas y una perspectiva acientífica.    

                    
Grandma Moses

El interés por la frescura y el lirismo se desarrolla primero en Francia en los comienzos del siglo XX, de la mano de artistas como Henri Rousseau, que influye en la pintura de Grandma Moses en Estados Unidos y Alfred Wallis en Inglaterra.

                      Higinio Mallebrera  

Los artífices del arte naíf no se dedicaron al arte como actividad principal, sino como una actividad al margen de sus profesiones respectivas. Buscaron huir del academicismo para que lo convencional no les coartase y no concebían el arte como creación trascendente sino como reflejo de despreocupación y serenidad interior.

Sus obras se caracterizan por la precisión de sus contornos, la falta de perspectiva, la atención al detalle y un vivo colorido.

 

 

martes, 2 de marzo de 2021

SIMBOLISMO


 

                                                            Gauguin

El Simbolismo es la tendencia artística que se vale de símbolos para buscar el conocimiento intelectivo y la expresión conceptual.

                             August Macke
 

El simbolismo por antonomasia es un movimiento francés del siglo XIX. Entienden el mundo como un misterio y el arte como un sueño, lo que les relaciona con la revelación freudiana de las leyes de la experiencia psíquica, que tiene como consecuencia la búsqueda de las leyes del arte mismo en el estudio de los objetos producidos por los pueblos primitivos. De esta investigación se nutre la mayor parte del arte de los últimos años del siglo XIX. Entre sus grandes figuras puede citarse a Gustave Moreau, Puvis de Chavannes y Odilon Redon, siendo su máximo representante Gauguin. Fueron sus precendentes los nazarenos, los prerrafaelitas y William Blake.

                              Odilon Redon 

Propugnan una pintura de contenido poético contraria a los valores del pragmatismo y el materialismo propios de la industrialización y reivindican la búsqueda interior de verdades universales.

 

 

lunes, 1 de marzo de 2021

FAUVISMO



                               Matisse

Estilo de pintura que floreció en Francia a principios del siglo XX. Los artistas fauve utilizaron colores puros y brillantes aplicados directamente de los tubos de pintura para crear una sensación de explosión en el lienzo. 

                              Alekséi von Jawlensky

 Los fauvistas pintaron directamente de la naturaleza, como lo habían hecho los impresionistas antes que ellos, pero las obras fauvistas estaban investidas de una fuerte reacción expresiva hacia los sujetos retratados. Exhibidas formalmente por primera vez en París en 1905, las pinturas fauvistas sorprendieron a los visitantes del Salón de Otoño anual; uno de estos visitantes fue el crítico Louis Vauxcelles, quien, debido a la violencia de sus obras, apodó a los pintores fauves (“bestias salvajes”). El líder del grupo era Henri Matisse, que había llegado al estilo fauve después de experimentar con los diversos enfoques postimpresionistas de Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Los estudios de Matisse lo llevaron a rechazar las representaciones tradicionales del espacio tridimensional y, en cambio, buscar un nuevo espacio pictórico definido por el movimiento del color.

                           Derain. Autorretrato

 Los otros fauvistas importantes fueron André Derain, que había asistido a la escuela con Matisse en 1898-1899, y Maurice de Vlaminck, que era amigo de Derain. Compartieron el interés de Matisse por la función expresiva del color en la pintura, y expusieron juntos por primera vez en 1905. Las pinturas fauvistas de Derain traducen cada tono de un paisaje en colores puros, que aplicó con pinceladas cortas y contundentes. Los agitados remolinos de color intenso en las obras de Vlaminck están en deuda con el poder expresivo de Van Gogh. 

                              Maurice Vlaminck  

Aunque fue uno de los primeros movimientos modernistas de vanguardia del siglo XX y uno de los primeros estilos en dar un paso hacia la abstracción, para muchos de los artistas que adoptaron un enfoque fauvista se convirtió en un trampolín de transición para futuros desarrollos. En 1908, la mayoría de los principales artistas del grupo se habían alejado del expresivo emocionalismo del fauvismo.

                             MATISSE 

Un interés renovado en el artista postimpresionista Paul Cézanne y el enfoque analítico que adoptó para pintar paisajes, personas y objetos inspiraron a muchos artistas a adoptar el orden y la estructura.  

                           Ernst Ludwing Kirchner

El otrora fauvista Georges Braque pasó a desarrollar el cubismo junto con Pablo Picasso, mientras que uno de los fundadores del fauvismo, André Derain, adoptó un estilo neoclásico más convencional. Sin embargo, Henri Matisse continuó utilizando los rasgos fauvistas distintivos de colores brillantes y emotivos, formas simples y marcas pictóricas a lo largo de su carrera.

viernes, 26 de febrero de 2021

LA HISTORIA DE UN CUADRO ESCANDALOSO DE HEINRICH LOSSOW

 🎨 The story of a scandalous painting. „Die Versündigung” by Heinrich  Lossow – The Bunget Arts & Culture

La trama de la imagen  está relacionada temáticamente con el “Banquete de castañas”. Este nombre se le dio a una cena escandalosa, supuestamente celebrada en el Palacio Papal por el ex cardenal Cesare Borgia, hijo del papa Alejandro VI el 30 de octubre de 1501. El informe del banquete se conservó en el diario latino del Apóstol Protonotarius y el ceremonias del Maestro Johann Burchard (se llama Liber Notarum), pero su exactitud es discutida.  


Según el cronista, se celebró un banquete en los apartamentos de Cesare en el Palazzo Apostolico. Cincuenta prostitutas o cortesanas estuvieron presentes para agasajar a los invitados al banquete. Burchard describe esta escena en su diario:  

 “En la noche del último día de octubre de 1501, Cesare Borgia organizó una fiesta en sus aposentos del Vaticano con“ cincuenta prostitutas honradas ”, llamadas cortesanas, que bailaron por la tarde con los sirvientes y otras personas presentes, primero con sus ropas y luego desnudos. Después de la cena, se retiraron de las mesas candelabros con velas encendidas y se colocaron en el piso, y alrededor se esparcieron castañas, que las cortesanas desnudas recogieron, arrastrándose a cuatro patas entre los candelabros, mientras papá, Cesare y su hermana Lucretia miraban. a quienes pudieran realizar el acto a menudo con cortesanas. Los ganadores fueron premiados con túnicas de seda, zapatos y otras cosas. "

 El cuadro  causó un escándalo. El artista fue criticado por  la gente común, y no digamos por  la iglesia, que acusó a Heinrich Lossow de todos los pecados mortales.

 

jueves, 25 de febrero de 2021

ELENA COLMEIRO

 


ELENA COLMEIRO ( 1932 - 2021 ) [CERÁMICA]

Esta entrada, é das que nunca me gustaría ter que facer. Despedir a unha mestra, amiga, como Elena Colmeiro non me resulta nada fácil, pero a vida ten estas cousas. Falar de Elena, é falar de cerámica por suposto pero tamén é falar de xenerosidade, honestidade de rebeldía en definitiva dunha artista do seu tempo.

 Ter a sorte de compartir e gozar con ela todos estes anos sempre me pareceu un luxo, a intensidade con que comunicaba as súas elucubracións, a valentía que transmitía á hora de comentar como afrontaba o seu traballo e a curiosidade e interese que prestaba ás novas propostas e xeracións, eran propias dunha mestría intemporal.

A súa obra cargada de innovación e contemporaneidade foi consumindo etapas e enriquecéndose con propostas arriscadas que ás veces como ela mesma recoñecía non entendía de momento o seu significado.

 Non cabe a menor dúbida que o que Elena Colmeiro déixanos transciende da súa obra, achegando un valor esencial á cerámica mais alá do propio material.

Ata sempre Elena.

 EMAO EN LIÑA

 


jueves, 18 de febrero de 2021

Jeanne Hébuterne

  


En marzo de 1917 el gran pintor Amedeo Modigliani (Livorno, 1884-París, 1920) conoce a Jeanne Hébuterne, una joven estudiante de pintura, en la Académie Colarossi. Él tiene 33 años, ella 19. No tardan en irse a vivir juntos a pesar de la radical oposición de la familia de ella, católica hasta la médula, que ve en el pintor judío una peligrosa influencia para Jeanne. Ella -capa, tocado y botas altas- se siente libre.

                        autoretrato

Amadeo es un hombre obsesionado por la estética (tardó mucho en asumir su talento como pintor) y por la belleza (Jeanne, la vemos en las fotos, era hermosísima). La reciente publicación de “Cartas” (Elba), con las epístolas del artista, es testimonio de sus convicciones y sus dudas artísticas. Al conocerla, por un momento siente que en su vida todo encaja. Tienen una hija. Pero los demonios de la enfermedad y los excesos de alcohol y otras sustancias no tardarán en asomarse.

Asfixiados por las deudas -poco éxito tuvo en vida Modigliani, tan aclamado después- y en el cuartucho que comparten, el pintor delira durante una semana. “Los amantes de Montparnasse” apenas comen. “Modi” inmóvil. Ella, a su lado, embarazada de ocho meses (algunos apuntan nueve) del que iba a ser el segundo hijo de la pareja. Finalmente Modigliani muere el 24 de enero de 1920 -oficialmente, de meningitis tuberculosa- a los treinta y cinco años de edad.

Dos días después del entierro, presenciando una disputa familiar sobre el futuro de sus dos hijos ilegítimos, Jeanne (que no soporta la pérdida del “Modi”) se dirige a la ventana del quinto piso, la de su antigua habitación en casa de sus padres, y se lanza al vacío. Rue Amyot, 8 bis, distrito V de París. Tiene 21 años. De su hija mayor (que con el tiempo escribiría un libro sobre sus padres: “Modigliani, hombre y mito) se hará cargo una hermana de Modigliani.


Hay quien apuesta que lo hizo por amor. Otros, por desesperación. Tal vez fueran las dos cosas. El caso es que el cuerpo de Jeanne tardaría mucho a volver a estar cerca del de su amado. El pintor Modigliani fue enterrado “como un príncipe”, en el legendario cementerio de Père-Lachaise mientras que Jeanne, en cambio, fue enterrada en secreto por su avergonzada familia, en el cementerio de Bagneux.

 Tuvieron que pasar diez años hasta que el hermano mayor de Modigliani lograra convencer a la familia de Jeanne de trasladar sus restos junto a Amedeo. Desde 1930 reposan juntos bajo el mismo epitafio: “Compañera devota hasta el sacrificio extremo”.

 La Vanguardia

martes, 16 de febrero de 2021

Charley Toorop

 

Como artista autodidacta, Charley Toorop desarrolló un estilo de pintura  muy personal. En su mayoría pintaba retratos, como el monumental lienzo 


"Tres generaciones", en el que retrataba a su padre, Jan Toorop, a su hijo, Edgar Fernhout, y a ella misma con su característico estilo sobrio y realista. Hija de un artista famoso, Charley Toorop creció rodeada de artistas de vanguardia. Fue muy amiga de Piet Mondriaan y expuso desde temprana edad junto a grandes nombres como Georges Braque, Paul Cézanne y Pablo Picasso. Se inspiró en el trabajo de Wassily Kandinsky y Vincent vVan Gogh, y en estilos tan diversos como el expresionismo, la escuela de Bergen y el realismo mágico. A pesar de estas influencias, nunca estuvo asociada con un movimiento artístico en particular.

Charley, cuyo nombre real era Annie Caroline Pontifex Toorop, nació el 24 de marzo de 1891, hija  de Jan Toorop y Annie Hall. La pareja había tenido anteriormente un hijo que murió poco después de su nacimiento, una tragedia de la que Annie culpó a la sífilis de su esposo. Así que Charley estaba destinada a sufrir un trauma desde el principio de su vida. 

Su madre era severa, exigente y su padre, por otro lado, era amable, imaginativo y cálido. También era artista y apoyó los esfuerzos artísticos de su hija desde el primer día. Charley estaba mucho más cerca de su padre a pesar de que cuando la pareja se separó, Annie fue quien tomó la custodia. Sin embargo, sus padres nunca se divorciaron porque Annie era una católica romana incondicional.

 Al crecer, Charley fue trasladada de un lugar a otro para recibir lecciones de música. Tenía una gran voz y una amplia formación en violín, pero nunca fue a la escuela normal. Su padre la acercó a muchos artistas y escritores. Finalmente, la presión de sus padres para practicar música la afectó y tuvo un colapso mental, y posteriormente se volvió hacia el arte. 

Cuando Charley cumplió los veintiún años, se mudó a Amsterdam y conoció a John Fernhout, un filósofo y, para horror de los padres de Charley, un ateo. En los Países Bajos en ese momento había una regla que solo podía casarse si sus padres aprobaban el matrimonio, lo que definitivamente habría detenido la unión si Charley no hubiera encontrado una forma de eludir esa regla. Quedó embarazada y sus padres lo aprobaron solo porque no querían que su primer nieto naciera fuera del matrimonio. Sin embargo sus padres tenían razón sobre Fernhout. Era un borracho y un psicópata, la amenazaba con un cuchillo  y  destruía su trabajo. Antes de divorciarse, la pareja tuvo dos hijos más.

 Charley se rebeló contra el estricto estilo de crianza de su madre  y dejaba que sus hijos se criaran en libertad, lo que su familia consideraba como  negligencia. Tenía un montón de amantes y amigos varones y se concentraba en su arte y descuidaba a sus hijos.  Básicamente, su vida familiar, financiera y amorosa fue un desastre. La miseria la golpeó nuevamente cuando tuvo un derrame cerebral que paralizó el lado derecho de su cuerpo. Con esfuerzo  podía caminar con un bastón y hablar, pero sus amigos y familiares tuvieron que esforzarse para pagar su hipoteca y cuidarla. Murió el 5 de noviembre de 1955 en relativo olvido.