viernes, 22 de enero de 2021

Aleah Chapin

 


Aleah Chapin es una artista que desarrolla su obra retratando a las personas de su alrededor. En cada lienzo capta la esencia de la persona retratándola tal y como es en ese momento. Especialmente sus cuadros se centran en las figuras femeninas, las mujeres de su entorno y las vivencias que ellas llevan intrínsecas en su piel.

En una sociedad donde se «retoca» hasta la piel de una adolescente para eliminar «imperfeciones», Aleah Chapin rompe con lo establecido y con la estética de muñeca de porcelana para volver al realismo más estricto. Ella retrata la fugaz belleza de cada una de las mujeres que pinta.


Mujeres vestidas únicamente con la confianza de sentirse a gusto consigo mismas, sin nada de ropa. Sólo con sus arrugas, manchas de la piel, pecas, bello, cabellos canos y algún que otro tatuaje.

«Intento crear una obra que, aunque desnuda, pasar por alto una representación basada en la superficie y llegar a algo más allá del sexo y la belleza», dijo Chapin. «Necesitamos pensar en lo que es realmente importante para nosotros, cuáles son nuestros valores honestos como cultura. Es una conversación que realmente necesitamos empezar a tener», cuestionando el canon tradicional de la belleza asociada con una normalidad muy destructiva, para la juventud.

Nacida en 1986, Aleah Chapin se crió en una isla al norte de Seattle, Washington. Se licenció en Bellas Artes en el  Cornish College of  Arts en 2009 y obtuvo el Master en Bellas Artes en la Academia de Arte de Nueva York en 2012. 

También obtuvo una beca  en el Programa Internacional de Arte de Leipzig en Alemania y en MacDowell Colony en New Hampshire. Las exposiciones recientes han incluido una invitación  para exponer en la Academia Estadounidense de Artes y Letras, Nueva York; en la colección Ingram: Bodies, Woking, Reino Unido y una exposición individual, Within Wilds en Flowers Gallery, Londres. 

 Ha recibido el premio Willard L. Metcalf en arte de la Academia Estadounidense de Artes y Letras, la Beca de la Fundación Posey, la Beca de la Fundación Elizabeth Greenshields, una beca de posgrado de la Academia de Arte de Nueva York y ganó el Retrato de BP. Premio en la National Portrait Gallery de Londres en 2012.
Aleah ahora vive y pinta en el noroeste del Pacífico, donde la gente y el lugar de su hogar son la base de su trabajo.

 Referencias

 https://totenart.com/noticias/aleah-chapin-la-belleza-eterna/ y su página personal

Agnes Richter

 


Agnes Emma Richter, una costurera alemana,   tenía 51 años cuando fue ingresada, en 1895, en la Institución Psiquiátrica Hubertusberg  cerca de Dresde,  Alemania . Richter fue trasladada inicialmente a una institución mental cerca de su casa después de que sus vecinos presentaran varias quejas sobre su "comportamiento errático".

Agnes  estaba convencida de que sus vecinos estaban planeando robar su dinero y finalmente lastimarla o matarla. Se obsesionó con este peligro  y se le diagnosticó una paranoia extrema .

Al ser ingresada en el psiquiatrico, Richter tenía que vestirse con el  uniforme institucional y someterse a los procesos y rituales de la vida de la institución. En un esfuerzo por mantener algo de su identidad y denunciar el confinamiento y la violencia aprovechó su camisa de fuerza para redactar diferentes peticiones.

Usó su uniforme y su camisa de fuerza como un " diario ", cosiendo palabras directamente en la tela.

La vida en los manicomios  a finales del siglo XIX estaba altamente reglamentada. Mientras que los pacientes varones trabajaban la tierra o en talleres para fabricar zapatos o muebles, se esperaba que las mujeres limpiaran, cosieran, tejieran y lavaran uniformes y textiles institucionales.

Si bien gran parte del texto cosido en su ropa se ha deteriorado con el tiempo, algunas de las líneas aún legibles dicen cosas como " No soy grande " y " Estoy en Hubertusberg ". Richter también agregó su número de paciente  a la chaqueta en varios lugares, tal vez como un esfuerzo por preservar su identidad allí.

También cosió fragmentos de texto sobre sus deseos y necesidades, que incluían " sin cerezas " y " Deseo leer ", así como comentarios como " Me sumerjo de lleno en el desastre ". Es evidente que Richter usaba la chaqueta a diario por el sudor y las marcas de suciedad que aún permanecen en ella.

Lamentablemente, Richter pasó el resto de su vida en el manicomio. Murió en Hubertusberg en julio de 1918. Su chaqueta, " un arma de resistencia a las limitaciones de la feminidad ", fue redescubierta en 1980 y sigue viva en la Colección Prinzhorn en Heidelberg. Más de un siglo después, el mundo sigue fascinado por los recuerdos de la lucha creativa de una mujer por preservar su propia identidad en un entorno destinado a despojarla de ella .

miércoles, 20 de enero de 2021

Thea Proctor

 


Nacida en Armidale, Australia, en 1879. Sus padres se divorciaron cuando ella era una niña, por lo que tuvo una infancia dificil. Comenzó sus estudios de arte con Julian Ashton en Sydney cuando tenía dieciséis años. En la escuela de Ashton, sus compañeros de estudios incluían a George Lambert, con quien estaría estrechamente asociada en público y privado durante los siguientes treinta años.

En 1903, deseando aprender a dibujar, viajó a Londres, donde se estableció con Lambert y su familia. Se convirtió en una de sus modelos favoritas, una habitual en su hogar y su alumna.  Se matriculó en la St John’s Wood School of Art de Londres en 1903. Trabajó en Londres desde 1903 hasta 1921, asociándose con sus compañeros expatriados australianos Charles Conder , Arthur Streeton y Tom Roberts.

En el centro de la ciudad y los suburbios del este se convirtió en una figura familiar, inmaculadamente vestida caminaba majestuosamente, sombrilla en mano enguantada, buscando lo bello.


Produjo dibujos a lápiz, acuarelas decorativas, abanicos y pirograbados japoneses. Proctor también se inspiró en una actuación de los Ballets Russes que vio en 1911. La encontró «hermosa e inspirada» y su trabajo decorativo se inspiró en los bailes de Chelsea Arts Club y su elaborado vestuario realizado con hermosas telas.

Expuso en la Royal Academy of Arts y en el New English Art Club , que luego produjo litografías que se exhibieron en el Senefelder Club y en la London Goupil Gallery para la Sociedad Internacional de Escultores y Pintores.

A su regreso a Australia en 1921, que coincidió con la de Lambert, inmediatamente pasó a ocupar un papel importante en el volátil mundo del arte de Sydney y a difundir sus ideas sobre arte moderno, decoración de interiores, moda, vestuario, ballet y cuestiones de gusto. en artículos, conferencias, clases formales, clubes de dibujo y en todos los eventos sociales y artísticos imaginables. Sorprendentemente hermosa, nunca se casó. Vivía en un pequeño apartamento alquilado en Double Bay, pero hasta principios de la década de 1960 también pudo mantener un estudio en George Street, donde había vivido antes de la Segunda Guerra Mundial.

En 1922 estableció su estudio, donde impartió clases. Se la consideró como una de las primeras «modernas» en exponer en Australia, asistiendo regularmente a inauguraciones de arte, siempre impecablemente vestida en colores lavanda o violeta.

 Al final de su vida promovió el trabajo abandonado de su primo John Russell. Hasta el final de su vida siguió trabajando, concretamente exponiendo en las Macquarie Galleries de Sidney.

Agnes Denes

 

Nació en Budapest (Hungría) en 1931, su familia sobrevivió a la ocupación nazi y se mudó a Suecia a mediados de la década de 1940 y en su adolescencia se trasladaron a Estados Unidos, donde se instalaron definitivamente. Según la propia Agnes ha comentado, el repetido cambio de idioma la convirtió en “una silenciada», lo que la impulsó a que se concentrara en el lenguaje universal que son las artes visuales.

Estudió pintura en New School y en la Columbia University de Nueva York. Pronto abandonó la pintura, debido a las limitaciones que el lienzo imponía y se centró en las ideas que podía explorar en otros medios y otras disciplinas artísticas.

A principios de la década de 1970, dejó su galería en la parte alta de la ciudad para unirse a la Galería AIR como miembro fundador. Desde entonces, ha participado en más de 450 exposiciones en galerías y museos de todo el mundo y ha escrito 6 libros.

Agnes Denes es una de las figuras principales del movimiento conceptual que surgió en Estados Unidos en los años 60 y 70 y es conocida internacionalmente por ser pionera en varias corrientes artísticas. Con sus proyectos ha investigado sobre ciencia, filosofía, lingüística, psicología, poesía, historia y música.

 En la década de los setenta la naturaleza dejó de ser un mero contenido para convertirse en un campo de acción y este terreno Agnes también fue pionera. Creó la pieza “Rice / Tree / Burial” en 1968 en el condado de Sullivan, Nueva York, considerada como probablemente la primera pieza a gran escala site-specific con preocupaciones ecológicas.


En la década de 1970 se sumó también al Land Art con su obra más conocida “Campo de trigo: una confrontación”. Entre la primavera y el verano de 1982 y con el apoyo del Fondo de Arte Público, plantó un campo de trigo dorado de dos acres, en los vertederos de escombros que se encontraban cerca de Wall Street y del World Trade Center, en el bajo Manhattan. La obra fue posible con ayuda de doscientos camiones de tierra, se eliminó el grano de trigo y la maleza, se fertilizó y se roció contra el hongo moho, después se cavaron a mano 285 surcos. Las semillas fueron sembradas también a mano y se estableció un sistema de riego. Se cosechó el 16 de agosto y produjo más de 1000 libras de trigo dorado totalmente ecológico y el resultado en imágenes fue de una belleza espectacular.

Otro de sus exitos artísticos más reconocidos es la pieza de 1996 “Tree Mountain: una capsula del tiempo” un monumental movimiento de tierras que ha dado lugar a un bosque matemático y un espacio de recuperación de la naturaleza. La obra es el primer bosque virgen hecho por humanos y está situado en Ylöjärvi, la parte oeste de Finlandia. En la actualidad es un espacio legalmente protegido y lo será para los próximos cuatrocientos años.

 Dos años más tarde, plantó en Melburne 6000 árboles de una especie en peligro de extinción con alturas variables formando cinco espirales, creando una pirámide escalonada para que, cuando los árboles crezcan, ayuden a aliviar la grave erosión de la tierra y la desertificación que amenaza a Australia.

Por otra parte, Agnes Denes también es conocida por el uso innovador de tintas metálicas y otros materiales no tradicionales para crear un prodigioso cuerpo de dibujos y estampados exquisitamente representados que delinean sus exploraciones en matemáticas, filosofía, geografía, ciencia y otras disciplinas.

 
Toda la práctica artística de Agnes Denes se distingue por su estética y su compromiso con las ideas sociopolíticas. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Moderno; el Museo Metropolitano de Arte; el Museo Whitney de Arte Americano; el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas; el Instituto de Arte de Chicago; Museo de Arte Moderno de San Francisco; la Moderna Museet, Estocolmo; el Centro Pompidou de París y el Museo de Israel entre otros muchos.

 Denes es una habitual en conferencias extensamente en colegios y universidades de todo el Estados Unidos y en el extranjero y participa en conferencias globales. Es autora de seis libros y aparece en numerosas publicaciones sobre una amplia gama de temas relacionados con el arte y el medio ambiente.

 http://www.agnesdenesstudio.com/

Adelina Labrador

 

Adelina Labrador González nació en Madrid en 1910 en el seno de una familia de militares farmacéuticos y políticos, concretamente Celedonio Sastre, fue alcalde de Ávila y creó una comisión que llevó al Vaticano la petición de nombrar a Teresa de Ávila Doctora de la Iglesia.

Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando y amplió sus estudios en el Instituto Superior de Bellas Artes de París, donde fue la primera mujer que obtuvo la categoría de «Muy Excelente».

Pasó la Guerra Civil en Barcelona, junto a su madre, en donde realizó distintas colaboraciones meteorológicas, dibujando mapas del tiempo junto al también abulense, Arturo Duperier. Tras la contienda, y ya en Madrid, ingresó en la Asociación de Pintores y Escultores, donde fue reconocida como Socia de Mérito.
Obtuvo la Segunda Medalla del Salón de Otoño de 1948 y concurrió a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1950 con la obra titulada “Tierras doradas”.

En la Hoja Oficial del lunes del 19 de febrero de 1951, encontramos una reseña firmada por Sánchez-Camargo, en la que se lee: a modo de crítica:

Adelina Labrador….esta pintora traduce en muchos de sus lienzos lo que le impone el sexo: sensibilidad”

En 1960 publicó el libro titulado “Ávila: fuente de inspiración para todos los artistas”, publicado por la Fundación Gran Duque de Ávila y en la que realizó las pinturas murales al fresco de la cúpula de la Iglesia de San Antonio de Ávila, así como los sótanos del Torreón del Palacio del Marqués de Velada.

 Realizó además distintas labores de conservación y restauración en el Monasterio de El Escorial y en la Catedral de Santiago de Compostela, además de la Catedral de Ávila, la Basílica de San Vicente y otras muchas iglesias de aquella ciudad.

 Como conservadora, cabe destacar especialmente su trabajo en el Museo del Marqués de Cerralbo, el Museo Sorolla y en El Prado de Madrid, donde intervino distintas obras religiosas.

En los años sesenta, estudió enfermería en la capital y se vinculó al Instituto Católico de París en Madrid, donde impartió clases de francés, así como en el Colegio San José de Cluny de Pozuelo de Alarcón, en Madrid que compaginó con las de dibujo.

 Una de sus últimas muestras fue la que tuvo lugar en la Sala de Exposiciones del Torreón de Lozoya, junto a Rosario de Novales Mantilla de los Ríos, en agosto de 1980.

Desarrolló su obra pictórica por numerosos países europeos, como Austria, Italia, Francia, Bélgica, Escocia y Holanda y sus obras están expuestas en edificios y entidades oficiales, así como en colecciones privadas de Estados Unidos, y Alemania.

 Abulense de corazón, mantuvo una estrecha vinculación con Ávila y con Zorita de los Molinos. Tras su jubilación estableció su residencia en Ávila, ciudad en la que falleció en 1999.

http://www.apintoresyescultores.es/adelina-labrador-gonzalez/

 

martes, 19 de enero de 2021

Olga Costa, 1913-1993

 



Olga Kostakowsky Fabrikant, mejor conocida como Olga Costa, nació el 28 de agosto de 1913 en Leipzig Alemania. Fue una importante pintora que sin haber nacido en México, dejó huella en dicho país a través de su arte, de su fascinación por la cultura mexicana y su significativa labor, al haber fundado galerías, sociedades artísticas y espacios de conjunción para los creadores de su tiempo.

En 1914 la familia Kostakowsky se trasladó a Berlín al estallar la Primera Guerra Mundial, de donde huyeron 11 años después rumbo a México, a donde llegaron el 7 de septiembre de 1925 al puerto de Veracruz a bordo del Espagne.

En 1933 ingresó a la Escuela Nacional de Bellas Artes donde estudió pintura únicamente por unos meses bajo la tutela del pintor guatemalteco Carlos Mérida, de igual manera estudió en el taller de grabado de Emilio Amero. Ése mismo año Costa conoció al pintor José Chávez Morado con quien comenzó una relación amorosa y se casarían en 1935.

Olga y José se trasladaron a la ciudad de Xalapa, Veracruz en 1936, debido a que a Chávez Morado se le comisionó la realización de un mural en forma colectiva con los pintores Feliciano Peña y Francisco Gutiérrez, en la Escuela Normal de Xalapa. Olga comenzó a pintar con mayor constancia y realizó en ése entonces las primeras obras de su carrera artística ya de manera profesional.

Para 1940, Olga y José vivieron una temporada en La Rinconada, San Miguel de Allende, ya que Chávez Morado fue contratado como profesor de arte en una escuela para extranjeros. Su contrató duró solamente un año, así que para 1941 volvieron a la Ciudad de México para instalarse en el barrio de Coyoacán. Formaron parte del colectivo fundador de la Galería Espiral, de la que Olga Costa fue nombrada directora.

Para 1942, ya con varias obras en su haber, Olga Costa participó en la muestra colectiva 13 Mexican Art Today organizara por el Arts Club of Chicago. Un año después, se publicó el catálogo The Latin American Collection of The Museum of Modern Art de Nueva York, en el que aparece una pieza de Olga, titulada Niño. El 29 de diciembre de ése mismo año se inauguró el Salón de la Pintura 1943, en la Galería de Arte y Decoración dirigida por Eduardo Méndez y su esposa, Costa fue invitada a participar con la obra La niña del gato.

En enero de 1945, presentó su primera exposición individual en la Galería de Arte Mexicano, con buena aceptación de la crítica y con numerosas reseñas en diversos periódicos y revistas. A finales de abril, recibió una invitación del Instituto de Intercambio Cultural Mexicano-Ruso, para realizar la donación de un cuadro para la creación de la Sala México en el Museo de Arte Occidental Moderno de Moscú. También en ése año expuso de nueva cuenta en la Galería de Arte y Decoración, en el Salón de Pintura 1945, en compañía de Angelina Beloff, Luis Arenal, José Chávez Morado, Fernando Castro Pacheco, Francisco Goitia, Gabriel Fernández Ledesma, Francisco Gutiérrez, Alfredo Serrano, Manuel Rodríguez Lozano, entre otros.

En el mes de junio de 1948, Costa participó en la exhibición Contemporary Mexican Painters en The Fine Art Galleries de la Ciudad de Toronto, Canadá. La exposición fue organizada en colaboración con la Galería de Arte Mexicano dirigida por Inés Amor y además de pinturas y dibujos de Olga Costa, se presentaron obras de Nefero, Jesús Guerrero Galván, José Chávez Morado, Rufino Tamayo, Juan Soriano, Alfredo Zalce, Raúl Anguiano, Alfonso Michel, José Reyes Meza, Feliciano Peña y Ricardo Martínez.

El 16 de noviembre de 1949 se fundó el Salón de la Plástica Mexicana, en el cual participaron junto a Olga Costa; Diego Rivera, Frida Kahlo, María Izquierdo y Francisco Dosamantes entre otros. En 1950 expuso en la Galería Kleeman de Nueva, al año siguiente realizó su famoso cuadro Puesto de frutas, posteriormente conocido como La vendedora de frutas o Frutas mexicanas, que es uno de sus pocos cuadros de gran formato y que es considerado como el mejor cuadro del tema frutal. Ése mismo año realizó Corazón egoísta, obra, que actualmente pertenece a la Colección Andrés Blaisten en México.

Olga Costa fue una importante pintora sumamente activa en la vida cultural de México por más de 60 años, su producción pictórica es numerosa, abarcó el periodo de 1936 a 1988 y forma parte de importantes colecciones como la del Banco Nacional de México, la Colección Andrés Blaisten y la del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Expuso su obra  en Nueva York (1950), París y Estocolmo (1952) y entre sus exposiciones individuales destacan: el homenaje del Festival Internacional Cervantino en 1989, la del Museo de Arte Moderno en 1990 y la que se realizó en 2013 en el Instituto Nacional de Bellas Artes para conmemorar el centenario de su nacimiento.

En 1979, Olga Costa y José Chávez Morado fundaron el Museo del Pueblo de la ciudad de Guanajuato, al cual donaron un lote de obras pictóricas y escultóricas de los siglos XVIII y XIX. A mediados de los años 80 se trasladaron a Albuquerque, Nuevo México con la finalidad de dar clases en el Taller Litográfico México Nueve de la Universidad de Nuevo México en E.E.U.U.

En 1990 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el campo de Bellas Artes. El  28 de junio de 1993, Olga Costa murió a los 79 años en el Centro Médico Minero de Especialidades de la Ciudad de Guanajuato.


MUSEO BLAISTEN